Minireseñas: El viaje de los hermanos sinsajo

The Skeleton Twins (2014)

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Amando como amo a la genia de Kristen Wiig, tenía muchas ganas de que me gustara esta película; no se imaginan. Pero no puedo decir que sea algo más que mediocre. Trata de dos hermanos gemelos distanciados hace 10 años que vuelven a encontrarse luego de sendos intentos de suicidio, y emprenden un camino hacia la reconexión. Estos son Maggie (Wiig), una mujer descontenta con su matrimonio con el siempre optimista Lance (Luke Wilson), pero que en vez de trabajar en él y sus problemas, opta por otros métodos escapistas más trillados y de dudosa moral; y por otro lado está Milo (Bill Hader en una actuación realmente alucinante y quizás lo que salva la película de ser un completo fiasco), un intento de actor que más que actuar trabaja de mesero; es uno de esos estereotipos de hombre homosexual absolutamente cínico (por lo menos no es el gay histriónico fan de Cher). Tiene un pasado oscuro que lidia con temas bastante serios pero suenan más forzados que otra cosa. Si bien la química entre los actores es excelente, y los personajes tienen algún que otro detalle gracioso, son seres bastante detestables y no logran transmitir el contenido más emocional del filme, que de hecho es bastante dramático; esto sumado a una gran afinidad por los clichés indies del momento la llevan, indefectiblemente, al fracaso.

Veredicto: 5/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1571249/

The Hundred-Foot Journey (2014)

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Título en español: Un viaje de 10 metros

Yo no sé por qué me siento a mirar una película de Lasse Hallström, es como si me gustara pasar mal. Por si necesitan un recordatorio, este es el director sueco de melodramas como Chocolate, Siempre a tu lado Dear John; así que no sé qué esperaba realmente. Capaz que me tentó un poco la presencia de Helen Mirren, pero ni eso estuvo bueno. En fin, trata de una familia india que se muda a un pequeño pueblo de Francia y abre un restaurante de comida india, claro, en donde el padre es el hombre de negocios y uno de los hijos el gran cocinero que derrocha talento y potencial. El caso es que el restaurante está situado directamente en frente a un popular y ultra chic restaurante francés, cuya dueña, Madame Mallory (Mirren) resiente la competencia y hará lo imposible por evitar que triunfen. No me da el espacio ni la vida para listar la cantidad de clichés de esta película, pero les menciono algunos: está el romance entre Hassan (el cocinero estrella) y una chef francesita del restaurante enemigo, está el “los que se pelean, se aman” por parte del papá (Om Puri en la única actuación que casi disfruté de la película) y el personaje de Mirren (en una actuación caricaturesca y ofensivamente ridícula); está la carrera al estrellato y el desencanto con la fama; en fin, es increíblemente predecible, melosa y artificial, en todos los sentidos. Lo único que vale la pena es el food porn.

Veredicto: 4/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2980648/

The Hunger Games: Mockingjay Part 1

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Título en español: Los juegos del hambre: Sinsajo Parte 1

Bueno, ni idea. Difícil hablar de esta película sin contextualizarla en la saga porque perdería de todo sentido. Tampoco me voy a ofender por esta desagradable nueva costumbre de dividir la parte final de una saga en dos para robarnos más plata, especialmente cuando el material *no* lo amerita, lo cual es el caso aquí ya que la película entera se siente estirada hasta la muerte, pero bueno, ya sabía eso antes de verla. Creo que es una continuación decente a lo que venía siendo la trilogía; son correctas adaptaciones de las novelas de Suzanne Collins (ella misma trabajó en ello), las cuales proveen entretenimiento sencillo y fácil de leer. Las películas siguen esta regla, entretenimiento con buenos valores de producción que no ofende, pero no aporta mucho más. Esta continúa donde dejó En llamas, luego de finalizados los juegos, Katniss y algunos más son rescatados por el hasta ahora oculto Distrito 13, la última base de resistencia frente al Capitolio. Katniss se une a sus esfuerzos, comandados por la presidente Coin (interpretada por Julianne Moore en otro excelente papel) y comienzan una campaña publicitaria cuyo objetivo es incitar a otros a unirse a la causa. Mientras tanto, Peeta fue capturado por las fuerzas del Capitolio y su rescate será una de las preocupaciones principales de Katniss, por supuesto. Gale sigue actuando de diversas geniales maneras pero no logra capturar la atención del Sinsajo. La familia de Katniss anda por la vuelta. El presidente Snow sigue murmurando bolazos inaudibles. En fin, entretiene lo justo y deja todo preparado para el “gran final”. Lo único que quiero decir es qué tristeza me dio ver a Philip Seymour Hoffman; y que me emocionó un poco que se la dedicaran a su memoria. Ah, y otra cosa, mi entretenimiento principal fue adivinar de dónde conocía a algunos actores secundarios que iban apareciendo de a ratos. Muy divertido.

Veredicto: 6/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1951265/

Ida (2013)

Ida es una de esas películas que de inmediato me llamó la atención por su innovación. Hoy en día es difícil sentarse a ver una película y quedar realmente impresionado frente a un concepto novedoso en técnica o estilo, así es que cuando sucede, nos fuerza a erguirnos en el asiento y tomar nota sobre lo que estamos mirando. Con esto no quiero decir que el cine de actualidad esté estancado, porque no lo pienso así; de hecho, así como aprecio estos pequeños momentos de innovación, también disfruto muchísimo de la personalización y el buen uso de las fórmulas establecidas. Quizás otros más cínicos no lo vean así, pero yo dejo el cinismo a los críticos más serios. En fin, supongo que con todo este preámbulo se están haciendo la idea de que esta es la nueva Citizen Kane, y tampoco es tan así, pero sí aportó lo suyo en cuanto a novedad, y por esto y otras cosas, la aprecié mucho.

Fue dirigida por el director polaco Pawel Pawlikowski, quien me sorprendió sobremanera descubrir que es el hombre detrás de Mi verano de amor, aquella película de lesbianas con Emily Blunt que había empezado tan bien, pero que hacia el final derivaba en un melodrama histriónico y exagerado; esta, por el contrario, es un ejercicio en sutileza. Empezando por una bellísima fotografía en blanco y negro, filmada en un digital tan agradable que nos remite a los mejores ejemplos en 35 mm de la nueva era francesa; salvo que en este caso, los creadores optaron por un formato de 4:3 (el cuadrado), una decisión bastante inusual para nuestra época, pero que extrañamente funciona muy bien, ya que le aporta un grado de intimidad a la historia que se corresponde con el tono general del filme. El guión trata de una huérfana novicia en la Polonia de los años 60, quien es prácticamente forzada a visitar a su último pariente vivo antes de tomar los votos. Esta es su tía Wanda, una jueza alcohólica de esas que bajo la fiesta y los vicios esconden una tristeza insondable, y quien le informa de sus raíces judías. Juntas emprenden una especie de road trip en el cual buscan descubrir qué pasó con sus familiares durante la ocupación nazi, pero que termina ahondando en un existencialismo más puro al develar más sobre sus propias identidades.

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Pese a que la película se llama Ida, el nombre de la joven novicia, interpretada por la primeriza Agata Trzebuchowska, este es el show de la tía Wanda, cuya actriz casualmente también se llama Agata: Agata Kulesza. El contraste entre estas dos mujeres le aporta una dinámica fascinante al guión: donde una es tímida y recatada, la otra es ruidosa y ostentosa. Pero a medida que Ida va pasando tiempo con su tía, y detrás del trasfondo de “la búsqueda”, parece ir cultivando una curiosidad por los placeres más mundanos de la vida, que se ve materializada en un saxofonista con cara de bueno que conocen en el camino. Esto, naturalmente, pone en tela de juicio su espiritualidad y el destino que hace tan poco aceptaba sin prejuicio. Wanda, por otro lado, tiene un arco inmensamente más interesante, el cual no voy a discutir aquí porque ahí sí estaría entrando en territorio de spoilers, pero basta decir con que es fascinante ver como su personaje va deshaciéndose de sus capas y revelándonos más y más de su naturaleza torturada y de su oscuro pasado.

Pero todavía no me he referido a lo que venía diciendo al principio sobre la innovación; lo que quiero señalar en particular es el inusual encuadre que tienen muchas de las escenas de la película. Los realizadores optan por planos que cortan las partes inferiores de las escenas, a menudo seccionando rostros o pies, lo cual provoca, mínimo, una sensación de alerta y renovada atención. Es algo similar a lo que sucedía en la película griega Kynodontas, por ejemplo. Podría teorizarse qué querrían comunicar con estas excentricidades, especialmente porque al haber optado por una relación de aspecto de 4:3 también podría decirse que están cortando los costados, lo que la hace una estética sumamente pensada, pero yo solo puedo decirles lo que a mí me provoco, y esto fue sencillamente tanto una sensación de aislamiento como de nimiedad, de insignificancia; como si esto fuera apenas una pequeñez en la gran perspectiva de las cosas, especialmente cuando los personajes están contrapuestos con los enormes e imponentes edificios que los rodean. El aspecto cuadrado de las imágenes, además, le aporta una calidad de foto instantánea a cada fotograma, y es que la composición e iluminación de cada imagen es de una belleza impresionante.

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En conclusión, Ida es una película lenta y deliberada, de escasos diálogos y atmósfera austera. Lidia con temáticas fuertes y emocionalmente cargadas, pero lo hace sin sentimentalismos baratos, o tal vez los transmita, de vez en cuando, a través de una bellísima composición de John Coltrane. Quizás haya algunos giros del guión que me dejaron un poco indiferente, pero son los menos, y cuando esto sucede, las deslumbrantes imágenes de la Polonia rural post-guerra y las nieves invernales que decoran algunas escenas logran mantener la atención. Por último, las actuaciones de las dos protagonistas, tan diferentes entre sí, pero tan convincentes y efectivas ambas, son absolutamente integrales para el éxito del filme. En especial vuelvo a destacar la actuación de Kulesza, que me recordó un poco a la Gena Rowlands de Cassavetes, en su entrega primitiva y brutal: es intensa y cruelmente desgarradora, merecedora de los mayores elogios. Aunque sería fantasioso pensar que Kulesza podría entrar en carrera para las premiaciones de este año, la película en sí es una de las principales candidatas para hacerse con los premios a Mejor Película Extranjera, y la verdad, sería una ganadora merecedora.

Veredicto: 8/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2718492/

Minireseñas: Solo Frank perdona al mañana

Only God Forgives (2013)

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Título en español: Solo Dios perdona

Ah, pero qué película de mierda. Perdón, pero me tenía que desahogar. Es que yo me considero una persona bastante paciente, tolerante y abierta, especialmente sobre lo que concierne al mundo del cine, que amo, pero esto desafió todas mis mejores cualidades, y eso que apenas dura los básicos 90 minutos. La película sigue a un narcotraficante en Bangkok (Ryan Gosling en una actuación robótica y desalmada; culpa del personaje, seguramente, pero imperdonable) cuya patética existencia se ve afectada por las acciones desagradables de su hermano mayor al que se ve obligado a vengar, incitado por su madre, una especie de Lady Macbeth del subdesarrollo, interpretada con bastante coraje y eroticismo por Kristin Scott Thomas. Pero esta búsqueda de venganza se ve antagonizada por la figura pseudo-divina del policía local Chang (Vithaya Pansringarm), quien parece impartir su propia justicia personal y ser a la vez omnipresente e invencible. No puedo explicarles lo poco que me importaba el éxito o fracaso de esta empresa. Podría rescatar la fotografía de colores vibrantes y luces de neón, que aportaron una estética interesante, pero más allá de eso sufre en todos los aspectos. Ningún personaje posee ningún dejo de humanidad; los diálogos son risibles y la violencia sobre-estilizada. Lo que le sucedió a Winding Refn (quien había hecho un excelente trabajo en la reciente Drive, también con Gosling -¿qué les pasará a este tipo de directores copaditos que se obsesionan con un actor en particular, no?) es que está demasiado dirigida, y esto en tope de un guión fino como hoja de papel, hacen que la cosa se parezca muchísimo a la nada. Estilo sobre sustancia de la peor calaña, porque no tiene ni corazón, ni autenticidad. 

Veredicto: 3/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1602613/

Frank (2014)

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Difícil comenzar a hablar de esta película sin referirme al “truco” que emplea durante su duración entera, y es que gira en torno a un personaje, Frank, que lleva puesta una gran cabeza caricaturesca encima de la propia y nunca, nunca, se la quita. Frank es el líder de una banda experimental y excéntrica, a la que nuestro personaje principal (Domhnall Gleeson, quien me cayó muy mal), el del punto de vista, se une para remplazar a su último tecladista. Frank es un personaje sumamente intrigante, más allá del artificio de la cabeza, es completamente auténtico e irónicamente, parece totalmente libre de artificialidades. Jon, un muchachito fastidioso obstinado con alcanzar la fama, es nuestra entrada a esta banda de dementes casi entrañables (a excepción del personaje de Maggie Gyllenhaal que es bastante mala onda, si bien es la que posee la mejor relación con Frank) y junto con él vamos explorando el universo del creativo y sus procesos, que oscilan entre lo penoso y lo divertido. Siento que en algún momento la película me pierde, o es que desde el principio sentí muchísimo rechazo por Jon, pero me terminó dejando un sabor muy amargo. Hay algún comentario interesante sobre la naturaleza de la creatividad y lo doloroso que es mantenerse por fuera; también se comenta sobre la comercialización y bastardización del arte por atraerlo a las masas, de formas menos efectivas y considerablemente más trilladas; y por último, hay una gran presencia mediática y una integración con las redes que se me hacía por momentos efectiva y por otros artificial. En general sufre de un tono que oscila torpemente entre lo cómico y lo dramático y no se decide por ninguno, dejando todo muy medio pelo. Pero el personaje de Frank, interpretado con entrega y vulnerabilidad por uno de mis actores favoritos del momento, Michael Fassbender, hace que valga un poco la pena: es una actuación que se mide en entonaciones de voz y lenguaje corporal y es un gran triunfo.

Veredicto: 5/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1605717/

Edge of Tomorrow (2014)

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Título en español: Al filo del mañana (voto que “filo” es una de las palabras más utilizadas para traducciones paupérrimas de títulos de películas)

¿Soy yo que estuve muy perdida o esta película pasó casi completamente desapercibida por estos lados? Como sea, si así fue, fue inmerecido, ya que para tratarse de un híbrido de ciencia ficción y acción protagonizada por Tom Cruise, es bastante buena. La película sigue a Cage, un oficial careta que jamás pisó un campo de batalla pero que es rápidamente forzado a participar de una misión suicida en una batalla contra una raza alienígena inteligente que tiene la capacidad de resetear los días y por ende, conocer el futuro. Por esas cosas de la vida, Cage adquiere esta misma capacidad de “manos” del enemigo, lo que da comienzo a una especie de Groundhog Day (Hechizo de tiempo) de anfetaminas. La película no pierde tiempo con prólogos ni preámbulos sino que salta directamente al meollo del asunto, que es lograr una combinación de acciones para ese día que le otorgue la victoria a la raza humana. Hace tiempo que no veía a Cruise en una actuación tan disfrutable, y esto se debe, principalmente, a que su personaje comienza siendo completamente inútil como héroe de acción, lo que nos presenta con incontables oportunidades para el humor que son bien aprovechadas. Acompañándolo en este viaje está Emily Blunt (muy diosa), una oficial experimentada y que está familiarizada con las circunstancias particulares del reseteo y con quien entrena, planifica, lucha, y por qué no, flirtea un poco también. Desde el punto de vista de la acción es casi agotadora, tiene un paso adrenalínico (que no llega a atomizar) y está editada y dirigida con eficacia; al analizarla desde el punto de vista de las ideas, quizás no tenga nada demasiado original que aportar al género (más allá de lograr muy bien ese efecto que te dan los videojuegos al morir y comenzar de nuevo con la sabiduría aprehendida -lo que de hecho ofició de inspiración para el guionista-), pero es una de esas películas que aunque no aporta demasiado en innovación, sí lo hace en entretenimiento.

Veredicto: 6/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1631867/ 

Amarcord (1973)

Esto es Fellini en su época multiloca. Ya había pasado su etapa más mesurada en que usaba a su esposa Guilietta Masina para dramas un tanto más terrenales y de una narrativa un poco más convencional, aunque a decir verdad decir “convencional” para describir a Fellini no me suena para nada acertado. Pero de cualquier forma, es importante distinguir estas dos épocas en su carrera ya que contienen diferencias estilísticas y narrativas bastante marcadas. El título podría ser traducido como “yo recuerdo” del dialecto de Rimini, el pueblo de donde proviene el director, y básicamente nos da una idea de lo que se trata el filme. Aunque este negó que fuera completamente autobiográfico, sí admitió que algunas escenas son inspiradas en hechos que vivió durante su juventud, pero verídicos o no, la película consiste en una serie de viñetas que combinan lo anecdótico con los sueños y las fantasías basadas en un grupo de amigos adolescentes, sus familias, y el pintoresco pueblo en donde viven.

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La película está ambientada en la década de los 30′ en la era fascista de Italia, liderada por Il Duce, a.k.a, Benito Mussolini y contrapone las presiones y limitaciones ejercidas por esta facción política con las presiones y limitaciones que aún profesaba la Iglesia Católica y la influencia que tenían en el psique de la persona promedio, que se encontraba atrapada entre estas dos potencias sin mucha posibilidad de trascenderlas. Pero si bien todo esto puede sonar ultra dramático, en manos de Fellini todo es ridiculizado hasta un tono cómico, y la película adquiere una liviandad que la hace enteramente llevadera. Se centra principalmente en Titta, un adolescente que aún andaba de short (en la época en que los pantalones largos estaban reservados para adultos) pero que estaba ansioso por experimentar algunos de los beneficios de la adultez, principalmente los de tipo más sexual. De hecho, las exploraciones sexuales de los jóvenes adolescentes es uno de los focos principales del filme, y uno de los mejores logrados. Nos otorga algunas de las mejores escenas como las confesiones en la Iglesia acerca de la masturbación y el encuentro de Titta con la dueña súper tetuda de una tabaquería; ambos momentos sumamente divertidos.

Como era usual en Fellini, los personajes del encantador Rimini son excéntricos, exuberantes, grotescos y caricaturescos. Además de la ya mencionada tabaquera tetuda, tenemos un viejo y elegante narrador que de tanto en tanto nos deleita con informes detallados de la historia del pueblo, pero que es constantemente interrumpido por tonterías que suceden a su alrededor; la prostituta del pueblo, Volpina, una chica simpática pero con pocas luces; la monja enana mala onda; el tío loco de Titta que se trepa a un árbol y grita desesperadamente que quiere una mujer; el vendedor ambulante que tiene un arsenal de anécdotas fantásticas; la Gradisca, la mujer veterana de la que todos están enamorados, y la forma en que caminaba meneando sus caderas. En fin, ya se hacen una idea. Con esta sarta de personajes, la mayoría interpretados por actores amateurs ya que Fellini favorecía un rostro interesante antes que talento para la actuación, no es de extrañar que la película a menudo sea grosera, vulgar y, por qué no, bizarra, pero está tan recubierta por un velo de sincera nostalgia, que en vez de provocar rechazo, se siente como una auténtica evocación de una mente de un joven muchacho.

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Este velo nostalgioso, además, es fomentado por una bellísima fotografía, tanto cálida como de colores impactantes y vibrantes, remarcando a la vez una dulce melancolía e impulsando los tonos exagerados de la bizarreada que abunda. Un efecto similar tiene la espectacular banda sonora del maestro Nino Rota, que aporta por momentos ternura y por otros una onda más carnavalera y que une las distintas viñetas creando una sensación de armonía muy linda. Aquí no podemos esperar continuidad, ni un impulso narrativo convencional; es más parecido a un collage de recuerdos, anécdotas, fantasías y sueños, y lo que en papel podría sonar un tanto pretencioso, no sufre ese destino porque Fellini lo aproxima con humilde franqueza y lo que transmite es absolutamente auténtico. Es la vida del adolescente varón, que salta de jugarretas con sus amigos, a tensos almuerzos familiares, a sus obligaciones en la escuela y en la Iglesia, a sus fantasías sexuales y sueños de fama. Es esto y mucho más, porque Fellini también les da su espacio a los adultos del pueblo, que en conjunto, como nos muestra el bellísimo final, parece más bien una gran familia. Es este amor y cariño que tiene el director por sus personajes, por su pueblo, por su mundo, lo que hace a Amarcord, su último éxito comercial, una película mágica.

Veredicto: 8/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0071129/

Still Alice (2014)

Título en español: Siempre Alice

Esta es una de esas películas de la temporada de premios que me hacen enojar. Y es porque se trata de una producción sumamente mediocre pero que le sirve como vehículo a una gran actriz para dar una de las mejores actuaciones de su carrera. Este tipo de películas abunda en esta época del año, guiones inconsistentes dirigidos con una mano tirando a melodramática pero logrando actuaciones destacables que sirven como anzuelo para los distintos grupos de críticos. Usualmente cuentan con un personaje principal afectado por algún mal que se presta para desencadenar situaciones dramáticas que te llevan a las lágrimas, y esta no es excepción.

La película sigue a Alice, interpretada por mi adorada Julianne Moore, una mujer que parece llevar una vida perfecta. Al comienzo la vemos festejando su cumpleaños número 50, rodeada de su familia, también la imagen cliché de la perfección. Es una profesora de lingüística de la universidad de Columbia y una oradora reconocida en todo el mundo. Está casada con el Dr. John Howland (Alec Baldwin) y tiene tres hijos: la mayor y felizmente casada Anna (Kate Bosworth), Tom y la un tanto más conflictiva hija menor Lydia (Kristen Stewart). Lleva una vida plena e intelectualmente estimulante, disfruta de tener un trabajo demandante y una rutina ocupada. Sin embargo, empieza a notar que está teniendo dificultades para recordar ciertas palabras, lugares o fechas, y esta preocupación la lleva a una consulta con un neurólogo, con quien finalmente llega a la conclusión de que padece de una forma prematura de Alzheimer. Bien optimista todo.

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A partir de este descubrimiento, la película indefectiblemente gira en torno a Alice lidiando con su enfermedad, a las distintas estrategias que emplea para ayudar con el desmemoramiento y el efecto que esto tiene en su vida laboral y familiar. Principalmente, el guión explora el relacionamiento de Alice con su marido y con su hija menor, Lydia. Sobre el primero queda suficientemente establecido que aún luego de muchos años de casados, John sigue enamorado de su esposa y la quiere muchísimo; pero, por otro lado, parece tener cierta reticencias a adaptar su vida a las nuevas necesidades de Alice, especialmente en lo que concierne a su carrera. En cuanto a Lydia, de forma un tanto trillada, los escritores trataron de establecer que esta prefería seguir un camino menos tradicional al de la familia, optando por perseguir su sueño de actuación en la costa Oeste (Los Angeles) y no entrando a la universidad como sus hermanos. Esto al principio es tratado como un tema de fricción entre madre e hija, pero la nueva situación de Alice parece abrirla más hacia la empatía y la película termina tomando como uno de los focos principales este acercamiento entre estos dos personajes.

Admito que tengo un prejuicio sobre las habilidades de Stewart, pero a pesar de que parecía estar interpretándose a ella misma (porque vino completita con sus cabellos despeinados y hacia el costado, revoleos de ojos, pucheritos y suspiros), tuvo momentos en que las emociones parecían trascender la superficie y se sintieron bastante más auténticos de los que me esperaba. Además, de los personajes secundarios, es la que tiene los momentos más jugosos en cuanto a impacto dramático, y en sus hombros recaía parte de la responsabilidad de que estos funcionaran. Hizo un trabajo decente, no lo voy a negar. El resto del elenco hace su trabajo pero no destaca, y es que esto es imposible al lado de la fuerza de la naturaleza que es Julie en esta película. Y ahora admito que yo soy muy fanática, y la disfruto en todo, pero hace tiempo que no la veía en una actuación tan universalmente espectacular. Aquí trasciende cualquier cuestión de estilo y se entrega a una vulnerabilidad y una autenticidad tan palpable que es fascinante de ver. Es como si le tocara de cerca, la sensibilidad que demuestra, la delicadeza, la fragilidad, esa sutil sensación de vergüenza (como describe su personaje), ese porte digno y ese vacío que se va apoderando de su mirada. Es una actuación para el recuerdo.

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El resto de la película es una collage de clichés de género con una banda sonora melosa y omnipresente, de esas que buscan manipularte hasta el llanto. Técnicamente aburrida, pero humilde, porque como dije más arriba, es claramente un contexto para permitirle a Julianne Moore hacer de lo suyo. Hay algunas escenas sinceramente conmovedoras, sin embargo, y creo que por momentos se acerca muchísimo a una auténtica representación de lo que es esta terrible enfermedad; al menos a mí me resulto un relato personal y accesible, donde las manipulaciones emotivas son más por incompetencia que por engaño. Pero como creo resultó evidente en mi reseña, esta es la película de Julianne Moore, obvia candidata para llevarse muchos premios de Mejor Actriz, y presenciar a este talento descosiendo la pantalla es motivación más que suficiente para verla. 

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3316960/

Liv Ullmann

Hoy es el cumpleaños de una de mis actrices favoritas de la vida, y además de ser ser una de mis actrices favoritas de la vida, también es una de las mejores del universo entero. Lo primero es subjetivo y lo segundo es objetivo, ¿pero vieron que coincide? Sí. Además es una capa en pila de sentidos. Por ejemplo, es súper multi-cultural: es una noruega nacida en Japón pero que alcanzó la fama actuando en películas suecas con el gigantísimo Ingmar Bergman. Pero además de ser una de sus musas de la actuación, también llegó a dirigir una película escrita por él, la excelente Trolösa con la capa de Lena Endre y uno de sus co-protagonistas más recurrentes: Erland Josephson. Además del cine sueco, también trabajó en el medio noruego y en teatro en ambos países; trabajó hasta en el teatro de Nueva York y fue nominada a dos Tonys. Se casó dos veces y tuvo un romance con Ingmarcito con quien tuvo una hija. Habla un montón de idiomas. Su abuelo fue enviado a un campo de concentración por ayudar a judíos a escapar de donde vivía. Su nombre, Liv, significa “vida” en noruego.

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En fin, y es, y era, hermosa. Y es, y era, inmensamente talentosa. Y tenía, y tiene, uno de los rostros más expresivos del universo. Y sí, me gustan los superlativos para las cosas que amo. Aquí van mis 5 actuaciones favoritas de ella. Son todas colaboraciones con Ingmar Bergman, sí, no me disculpo.


5. Skammen (1968)
(Vergüenza)

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Como la mayoría del trabajo de Bergman, esta película es absolutamente deprimente. Se trata de una pareja de músicos que se ve involucrada en el medio de una guerra civil. Esta pareja, que además es apolítica, llevaba una vida sencilla y sin demasiados lujos, llena de amor, pero se comienza a desmoronar cuando la guerra los alcanza. Max von Sydow y Liv Ullmann son el foco principal del filme, y ambos están espectaculares en dos papeles que ponen de manifiesto distintas formas de lidiar con la situación en la que se ven involucrados. Es increíble ver la deconstrucción, y también quizás la deshumanización de los personajes. No hay explicaciones sobre quiénes luchan ni por qué, ni es demasiado fácil distinguir un bando del otro; la película tiene un carácter más universal de los horrores de la guerra y, en particular, como afectan la psiquis humana. Y, fiel a su nombre, la vergüenza se cuela por todos lados, de diversas maneras. Esta es una de las películas más accesibles de Bergman: el carácter minimalista de la historia, la hermosa fotografía en blanco y negro y las fascinantes actuaciones de los protagonistas la hacen una de sus obras maestras.

Veredicto: 9/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0063611/


4. Viskningar och rop (1972)
(Gritos y susurros)

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Esta es la actuación más peculiar que incluí en la lista, y es porque aquí el personaje de Ullmann es decididamente menos empático que el resto. El filme, como muchos otros de Bergman, es todo sobre mujeres, y creo que vale destacarlo ya que incluso hoy en día, los buenos papeles para mujeres actrices son menos comunes que para sus colegas masculinos, y Bergman ofrecía consistentemente papeles femeninos de una complejidad y profundidad inigualable. En fin, a principios del siglo XX en Suecia, Agnes, el personaje de Harriet Andersson (gran actriz y frecuente colaboradora del director), se está muriendo de cáncer en su mansión rural y es visitada por sus dos hermanas Karin y Maria (Ullmann). Pronto se torna evidente que la familia es altamente disfuncional y que ambas hermanas sufren trastornos varios que las imposibilitan de evocar ningún tipo de empatía por su pobre hermana, cuyo único consuelo está en los cuidados de su empleada Anna. Es una película perturbadora, de imágenes chocantes, colores intensos y mucho simbolismo; una de esas que te atacan a nivel visceral y no te dejan ir. La actuación de Ullmann aquí es perversa, por momentos deliciosamente sutil, y por otros poderosamente intensa. Hay una malicia detrás de esos ojos azules que da escalofríos.

Veredicto: 9/0

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0069467/

3. Scener ur ett äktenskap (1973)
(Escenas de un matrimonio)


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Originalmente era una mini-serie de televisión de seis capítulos, que luego fue re-editada en una película bastante larga. Existe la versión de 169 min. y la de 283 min. que cubre todo el material de la serie original. Tengo entendido que ambas son excelentes, y no lo dudo viniendo de Bergman; pero yo vi la versión extendida y la puedo recomendar muy alegremente. Como ilustra el título muy elocuentemente, la película trata de varios años en la vida de un matrimonio: Marianne (Ullmann), una abogada, y Johan (Erland Josephson), un profesor de universidad. Al comienzo parecen felices en su relación, la que se contrasta con una pareja amiga que parece más obviamente disfuncional, pero como podemos esperar de Bergman, esta ilusión de felicidad se va desvaneciendo a medida que la película avanza. Realmente no hay demasiado más que comentar en términos de trama. Lo brillante de la película es el estudio que hace el director de la institución del matrimonio, pero más específicamente, del relacionamiento humano. La longitud le permite explorar diversos ángulos en profundidad y el resultado es inmensamente gratificador. Con una química descomunal, Josephson y Ullmann se entregan a sus papeles con una pasión y dedicación admirables, y logran proyectar personas más que personajes, pareciéndose más a un documental que a un trabajo de ficción. Es auténtica, real y devastadoramente honesta.

Veredicto: 9/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0070644/

2. Persona (1966)

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Esta fue la primera colaboración de Bergman con Liv Ullmann y desde el inicio dos cosas son evidentes: 1. la fascinación del director con esta diosa de la actuación; 2. la indiscutible química que debieron tener desde el vamos para lograr trabajos tan transcendentales. Esta, además, es una de mis películas favoritas. La trama se centra en la actriz Elizabeth Vogler (Ullmann) que a pesar de parecer completamente saludable, de repente deja de pronunciar palabra alguna; esta es puesta al cuidado de una enfermera, Alma (!) (interpretada por la gran Bibi Andersson), quien la lleva a una casa de veraneo en donde pasarán todo el tiempo juntas y aisladas. El silencio de Elizabeth pronto lleva a Alma a hablar más y más y develar más y más sobre su persona, volcando su identidad entera en Elizabeth, quien absorbe todo con silencioso interés. Luego de que las revelaciones se tornan sumamente personales, hay una serie de confrontaciones y una seguidilla de montajes surrealistas y diversas imágenes de cuestionable realidad que llegan a un clímax fuera de este mundo. No me voy a adentrar en las múltiples interpretaciones que uno puede hacer sobre esta obra maestra, pero al menos quiero decir que yo me inclino por las ideas más existencialistas sobre el significado de la “identidad” y las disyuntivas entre el ser que somos y el ser que proyectamos en otros. “Persona”, después de todo, es una palabra que viene del latín que significaba “máscara”. Además del espectacular guión, este es uno de los mejores trabajos de fotografía del gran Sven Nykvist. Pero su triunfo absoluto se debe, principalmente, a sus dos excelentes protagonistas, quienes llenan casi todos los cuadros del filme en alucinantes primeros planos, y la maravillosa Liv Ullmann, que transmite todo en su rostro silencioso.

Veredicto: 10/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0060827/

1. Ansikte mot ansikte (1976)
(Cara a cara)

face to face liv ullmann

La trama de esta película es de lo más bergmaniano del mundo. Esta se centra en una psiquiatra, la Dra. Jenny Isaksson (Ullmann) quien está casada con otro psiquiatra, el Dr. Tomas Jacobi (Josephson). Pero muy irónicamente (o no), la Dra. Isaksson comienza un fascinante descenso a una crisis emocional y sucumbe a la enfermedad mental. No es una de las películas más conocidas de Bergman, pero la de Ullmann es sin duda, una de las mejores actuaciones de todos los tiempos. Es un papel sumamente complejo e intenso, y debe haber consumido un montón de la actriz, que parece desgarrarse ante nuestros ojos en la pantalla. La forma en que el personaje de Ullman va perdiendo la concepción de la realidad y la película se va adentrando y más y más en su psique perturbado, exhibiéndonos sus sueños, miedos y fantasías, es igualmente brillante y devastador. Es una película completamente impulsada por su protagonista, la acompañamos en ese horrible camino hacia la demencia, y sentimos su miedo, angustia y dolor, y su dolorosa percepción sobre su propia condición. Es un tour de force como nunca ha habido en el cine. Es Liv Ullmann mostrándonos quién es Liv Ulmmann.

Veredicto: 9/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0074147/

Para su filmografía completa entren a: http://www.imdb.com/name/nm0880521/

Rush (2013)

Título en español: Rush, pasión y gloria (wow, cada vez superándose más los traductores).

Me puse a ver Rush sabiendo apenas que giraba en torno al mundo de la Fórmula 1 y que actuaba el rubio de Thor (Chris Hemsworth). No mucho más. No puedo decir que ahora que la vi tengo un mayor entendimiento del deporte ni mucho menos, pero sí puedo asegurar que fueron dos horas inmensamente entretenidas y que parecieron volar con un ritmo sublime y por momentos adrenalínico, reflejando quizás, las sensaciones de quienes van tras el volante. Pero más específicamente que del mundo de la Fórmula 1, la película se centra en dos de sus estrellas principales, el inglés James Hunt (Hemsworth) y el austriaco Niki Lauda (Daniel Brühl) y es la rivalidad entre estas dos figuras de la década de los 70’s lo que le da tanto el impulso motor como el corazón al filme.

RUSH hemsworth brühl
Cuando los conocemos aún son dos corredores amateurs en la Fórmula 3, tratando de abrirse paso a las grandes ligas. De entrada sus personalidades contrastan enormemente. James Hunt cumplía con el cliché de la época, el tipo sexy de pelo largo y camisa abierta, un gran fiestero y mujeriego, simpático y carismático, impulsivo y temerario; un tiro al aire, básicamente. Una reputación que le traía tanto fama como una cierta reticencia por parte de los sponsors de entablar negocios con alguien tan imprevisible. A Hemsworth no le resulta demasiado difícil convertirse en Hunt, aunque por momentos me gustaría haber visto un poco más de magnetismo. Por otro lado, tenemos al austriaco Lauda, heredero de un gran negocio familiar, un hombre que decide abandonar su fortuna y apostar todo a su carrera. Es un tipo metódico, inteligente, calculador, antipático y austero. A diferencia de Hunt, a nadie le caía demasiado bien. Brühl sí destila una buena dosis de magnetismo; está absolutamente brillante en el papel y esa mirada intensa que mantiene durante toda la película me daba hasta escalofríos. Mientras el primero corre por pasión y amor al deporte y ve el jugarse la vida como un elemento romántico, el otro corre porque es lo mejor que sabe hacer y no tiene ningún interés en arriesgar su vida más de lo necesario.

En una época en que el riesgo de vida de los conductores era mayor al de hoy, es interesante ver las distintas visiones que se manejaban al respecto. Cuán fácil (o no) era para los conductores meterse en ese auto sabiendo que quizás no volverían a salir de él con vida. Sin duda, el riesgo de muerte funciona como un elemento que aporta muchísimo tanto a nivel dramático como narrativo y nos informa mucho sobre las personalidades de ambos protagonistas. Al tener un foco bastante íntimo y algo claustrofóbico con respecto a los personajes, la recreación de época no aparece en primer plano como anzuelo para los críticos, sino que está puesta al servicio de la historia y funciona perfectamente en segundo plano. Está bellamente fotografiada, con una paleta de colores que ahora sí parece más reminiscente de la década. Además de los protagonistas, el elenco se completa con los intereses románticos de los protagonistas (principalmente Olivia Wilde y Alexandra Maria Lara) y algún que otro comentador deportivo o miembro de los equipos técnicos; si bien todos hacen un buen trabajo, el guión está más preocupado con sus estrellas y no les dedica demasiado tiempo. Quizás por esto a los vínculos amorosos les falta desarrollo, pero el director logra darles un poco más de vida a través de claves visuales un poco más sutiles y zafa.

Es interesante notar como una película de este tipo suele incitar a la audiencia a hinchar por un personaje en particular, ya sea otorgándonos un punto de vista más estudiado de uno de los bandos, creando mayores oportunidades de empatía o logrando actuaciones más carismáticas de los involucrados, pero uno de los mayores logros del director sentimentaloide Ron Howard (el que nos dio Apollo 13 Una mente brillante) es contraponer dos personalidades avasallantes de forma tal que juegan con los impulsos primitivos del espectador de elegir a uno y quedarse con él por el resto del filme. Aquí nuestras pasiones son confusas, y aunque ninguno de los dos está ni cerca de ser el héroe perfecto, al terminar la película ambos se ganaron nuestro respeto y admiración. Este enfrentamiento de personalidades es algo en lo que el escritor Peter Morgan y el director Howard ya habían colaborado juntos en la muy subestimada Frost/Nixon; y como en esa película, las tensiones dramáticas llegan a niveles de intensidad increíbles por cómo está manejada la interacción entre ambos, y no tanto por las escenas de “acción”, que de cualquier forma están muy bien filmadas también. El guión tiene como núcleo esa necesidad imperiosa del ser humano de competir, no solo de ser el mejor, sino de ganarle al “otro” y de esta cualidad primitiva se nutren nuestros personajes, afectando directamente sus arcos dramáticos.

RUSH-FERRARI-brühl
En conclusión, déjenme decirles que dudo que haya alguien menos interesado en la Fórmula 1 que yo. Y no voy a decir que la película me provocó ningún tipo de interés en el deporte. Pero esa no es la función del cine. El cine se trata de sumergirte en un mundo ajeno durante un par de horas, envolverte y vendértelo. Y en esto fue un éxito rotundo. No perdí el interés ni medio segundo de película, tiene una edición magistral cuyos ritmos aceleran y desacelaran en los momentos justos. Y más que nada, un dúo de director/escritor que extrapolaron de una historia anécdotica conocida quizás por un pequeño nicho de gente, un relato de atractivo universal, que habla más sobre la naturaleza del ser humano que sobre quién se convirtió en campeón mundial. Tiene alguna que otra recaída en territorio más cursi (estamos hablando de Howard, después de todo) y a pesar de lo que venía describiendo, tampoco estamos lidiando con un estudio dostoievskiano de la condición humana, pero es un gran ejemplo de cine hollywoodense.


Veredicto:
8/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1979320/