Shaun of the Dead (2004)

Título en español: Muertos de risa

Recuerdo que cuando salió esta película, una mezcla de comedia/terror zombie, hubo un montón de revuelo y rápidamente conquistó tanto a la crítica como a las audiencias, generando un grupo de seguidores fieles que seguramente facilitaron la producción de las siguientes dos películas de la trilogía: Hot Fuzz (2007) y The World’s End (2013). Es fácil ver por qué tuvo tanto éxito, ya que aunque admito que este no es necesariamente un género que disfruto demasiado, esta se me hizo bastante entretenida, dinámica y hasta emotiva en un par de escenas, lo cual no me esperaba en absoluto.

shaun of the dead simon pegg nick frost
La premisa es sencillísima. Apocalipsis zombie centrado en la ciudad de Londres. Primero nos presentan a los personajes, al grupo de perdedores de Shaun (Simon Pegg), un vendedor sin ningún tipo de ambición, atascado en una vida que gira en torno al callejón sin salida de su trabajo, su novia insatisfecha Liz (Kate Ashfield) y su incluso más fracasado amigo Ed (Nick Frost), un tipo que comparte apartamento con Shaun y otro amigo, pero que no hace más que tomar y ocasionalmente vender marihuana. Sus vidas pasan del sillón del apartamento a las sillas del bar Winchester, el clásico pub inglés del barrio. Cuando comienza el filme, vemos un intento desesperado de Shaun por efectuar un cambio en su patética vida, un intento que incluye ponerle un poco de empeño al festejo de aniversario con Liz y lidiar con un almuerzo familiar con su madre (Penelope Wilton a quien yo sigo fervientemente en Downton Abbey y aquí está tan diferente) y su padrastro interpretado por el fantástico Bill Nighy, única figura paternal en su vida a quien nunca pudo aceptar.

El fracaso de Shaun de mejorar su situación se coordina perfectamente con la explosión del apocalipsis, otorgándole a nuestro anti-héroe la posibilidad de mostrar su valor, ayudando a su familia y amigos a sobrevivir en las calles atestadas de zombies. La primera mitad tiene varios momentos muy buenos, como cuando Shaun realiza su rutina matutina ignorando todas las obvias señales de que algo anda mal; o el primer encuentro directo de Shaun y Ed con un zombie y sus subsiguientes intentos de matarlo; luego se degenera un poco en clichés menos inspirados que culminan en un clímax predecible y un tanto insulso, pero no por eso completamente desechable. A pesar de que el guión se preocupa más por darnos una buena dosis de humor inglés, hay un par de escenas emotivas que contra todo pronóstico logran apelar a nuestro lado más sensible, y este es uno de los mayores logros de la película, sin duda. En cuanto al gore, lo hay, ya que esta es una película de zombies, pero no encontré nada demasiado desagradable, ni siquiera que supere el de la serie de televisión The Walking Dead, así que no genera un problema para los muy sensibles pero tampoco atractivo para los fanáticos de la chanchada.

Shaun-of-the-Dead simon pegg

En conclusión, es una película divertida, que mantiene un paso ligero y nunca aburre. Tiene más aciertos que fracasos y está decentemente filmada, con una fotografía que no llama demasiado la atención pero que rinde, y algunas técnicas de edición que se complementan bien con el género, reminiscentes de Réquiem por un sueño. Dentro del universo de las parodias (en este caso de Dawn of the Dead, del genio George Romero), es una de las mejores que he visto y los minutos finales son realmente maravillosos, logrando cementar el homenaje al clásico de Romero y logrando a su vez su propia crítica ácida y personal hacia la sociedad de consumo en la que vivimos hoy en día.

Veredicto: 6/10

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Maggie Gyllenhaal

Con motivo de su cumpleaños número 37 el día de hoy, decidí hacer un pequeño post sobre esta actriz que amo muchísimo y a quien considero como uno de los grandes talentos de su generación. Recuerdo perfectamente la primera vez que la vi, fue en la película Mona Lisa Smile (La sonrisa de Mona Lisa) allá en el 2003 cuando tenía 15 años y me acuerdo que fue amor a primera vista. Es una película muy mediocre y su papel es bastante secundario, pero ya entonces podía notar una voluntad maravillosa y una intensidad y entrega descomunales, características que la hacen fascinante de ver. Luego de eso me hice fan inmediatamente y he seguido su carrera muy de cerca, viendo muchos de sus aciertos y muchos espantos también, pero lo que es cierto en todos los casos es que su actuación es dedicada, comprometida y, por sobre todas las cosas, pasional.


Maggie-Gyllenhaal Acá les dejo mis actuaciones y/o películas favoritas de esta maravilla de la actuación:

5. Donnie Darko (2001) donnie darko maggie and jake gyllenhaal A decir verdad, su papel en esta película es bastante secundario pero lamentablemente, la un poco corta filmografía de Maggie Gyllenhaal deja bastante que desear en términos de calidad y al menos la mitad son créditos por personajes menores, así que esta la incluí más por curiosidad. Y es que no he vuelto a ver esta película desde mi adolescencia (hace ya más de 10 años) y recuerdo que fue una de esas primeras películas bizarras y diferentes que vi en esa época y que marcaron mi interés por explorar el cine en todas sus manifestaciones. Nunca la volví a ver, así que no puedo asegurar si pensaría lo mismo hoy en día, pero en su momento me había gustado bastante. La película de Richard Kelly se trata del chico del título (interpretado por el hermano real de Maggie, Jake Gyllenhaal), un adolescente que se lleva mal con su familia y casi todos, y que comienza a ser atormentado por visiones de un conejo gigante que lo incita a hacer distintas actividades criminales. Si la premisa suena bizarra, créanme que la película lo es más. Aquí Maggie interpreta a la hermana mayor y admito que no recuerdo demasiado de su actuación, pero sí que la juventud le sentaba muy bien.

Veredicto (viejísimo): 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0246578/

4. Sherrybaby (2006) sherrybaby gyllenhaal Bueno, esta película es francamente desastrosa. La incluyo aquí porque a pesar del paupérrimo guión y dirección de la novata Laurie Collyer, la actuación de Gyllenhaal eleva el material y para los amantes de buenas actuaciones, quizás sea suficiente para salvar el filme. La premisa es sencilla: una mujer es liberada de prisión luego de una sentencia de tres años y trata de rehacer su vida y reconectarse con su hija que había quedado al cuidado de su familia. El guión está atestado de clichés melodramáticos y por momentos es repugnante mirar a esta sarta de personajes despreciables sin querer llamarles la atención a la estupidez de sus acciones. Es una experiencia bastante frustrante y te deja con un sabor muy amargo en la boca, pero Gyllenhaal da una de las actuaciones más valientes de su carrera y es desgarrador ver su talento tan puro y sincero al servicio de algo tan patético. En fin, a veces Maggie no sabe elegir muy bien. Afortunadamente, muchos críticos supieron apreciar la excelencia de su actuación y recibió muchísimas nominaciones, incluyendo la del Golden Globe para mejor actriz dramática.

Veredicto: 3/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0423169/


3. Hysteria (2011)
(Histeria) hysteria maggie gyllenhaal Histeria no es una excelente película pero es bastante divertida. Y es que comenzando por la trama, es difícil que no sea mínimo entretenida. Se trata de como el doctor Mortimer Granville (Hugh Dancy) inventó el primer vibrador con fines médicos. La película relata el origen del invento y gira en torno a la vida del Dr. Granville, su jefe el Dr. Dalrymple (Jonathan Pryce) y sus dos hijas: la estudiosa Emily (Felicity Jones) que pasará a ser su prometida y su hermana mayor Charlotte (Gyllenhaal), una suffragette rebelde y de carácter fuerte que trabaja en un establecimiento para mujeres necesitadas. Es una comedia que abarca distintas temáticas sociales de la época victoriana pero que las trata de manera muy simplista. Si no nos la tomamos demasiado en serio, entretiene y es un gran ejemplo de un tipo de personaje que Gyllenhaal hace muy bien: una mujer fuerte, segura de sí misma y aquí da una excelente actuación, energética y divertida.

Veredicto: 6/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1435513/

2. The Honourable Woman (2014) – TV maggie gyllenhaal honourable Este es su trabajo más reciente y definitivamente uno de los mejores de su carrera. Es una mini serie de la BBC que consta con tan solo 8 episodios pero que cuentan la historia a la perfección. Gira en torno a Nessa Stein (Gyllenhaal), una mujer que cuando hereda la empresa de producción y venta de armas del padre, decide darle un giro pacifista y se concentra en mejorar las relaciones Israelí-Palestinas. Es una serie muy actual y al principio temí que no iba a lograr manejar una temática que mínimo podría calificarse como “sensible” hoy en día, pero está escrita de manera inteligente y sorprendentemente imparcial y cuenta con un maravilloso elenco en el que destaca Gyllenhaal pero que además cuenta con una actuación fenomenal de Stephen Rea. Es algo así como Homeland pero más deliberado, lento y conciso; tiene momentos realmente tensos y escenas donde a Gyllenhaal se le permite explorar todos los recovecos de su personaje. El título es interesante y es una pregunta constante que nos hacemos durante la serie: ¿es Nessa Stein la mujer honorable? ¿Es honorable realmente? ¿O hay alguien más? En fin, altamente recomendado.

Veredicto: 8/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3021686/

1. Secretary (2002) (La secretaria) secretary gyllenhaal maggie Este es el papel que definió y redefinió la carrera de Maggie Gyllenhaal. Aquí interpreta a Lee Holloway, una chica que al empezar la película está saliendo de un hospital psiquiátrico y que cuenta con muchísimos problemas de autoestima. Consigue un trabajo como secretaria de un abogado (James Spader en otra increíble actuación) y su relación laboral se va convirtiendo progresivamente en una de índole más sexual y sadomasoquistas. Dicho esto, la película es más una comedia, quizás algo oscura para el espectador promedio, pero a mí me resultó deliciosamente provocativa y lidia con temáticas algo controversiales con mucha seguridad y aplomo, sin nunca siquiera rozar el melodrama. Fue una idea muy riesgosa para todo el equipo, y en el caso de Maggie, una jugada muy arriesgada que terminó siendo un éxito: es una actuación maravillosa, de una fragilidad desarmante por momentos y funciona tanto a nivel físico donde Gyllenhaal pone de manifiesto su excelente capacidad para la caracterización, como emocional, ya que Lee, con todos sus problemas, es un personaje altamente entrañable de principio a fin y solo queremos verla triunfar.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0274812/

Para su filmografía completa entren a: http://www.imdb.com/name/nm0350454/

Shopgirl (2005)

Título en español: Chica de mostrador

Para paliar un poco las ganas que tenía de ver de nuevo a Claire Danes (a quien ahora disfruto semanalmente gracias a los domingos de Homeland), decidí volver a mirar esta película que hace casi una década vi por primera y única y vez y que la recuerdo como el filme que me terminó de enamorar de la brillante actriz que es Danes. En ese momento yo le tenía muchísimo rechazo, no sabría decir bien por qué, y Shopgirl logró cambiar mi opinión muy radicalmente; quizás por eso la recordaba como una mejor película de lo que en realidad es. No me malinterpreten, no me pareció horrible esta segunda vez, pero sentí que hay poco que destacar más allá de la interpretación de esta actriz. Así es que quizás lo que sigue esté especialmente recomendado para aficionados de  Danes.

claire danes shopgirl Jason Schwartzman

La película está basada en el guión adaptado de una novela de Steve Martin (ya se puso raro, ¿no?), adaptada por nada más y nada menos que Steve Martin; quien, a su vez, casi que protagoniza la película. Se trata de una etapa de la vida de la joven Mirabelle Buttersfield, una chica sencilla de Vermont que se muda a Los Ángeles a buscar una mejor vida, o una vida más grandiosa, quizás. Vive sola y trabaja en Sacks Fifth Avenue en el stand de los guantes (una gran tienda de lujo). Parece no tener amigos ni pareja, y lleva una vida tranquila en la que una vez al año aproximadamente, se aventura a hacer un dibujo, lo cual la convierte en una artista, según sus palabras. El guión nos presenta a esta dulce chica y luego nos propone dos posibles candidatos románticos: primero aparece Jeremy (Jason Schwartzman), un muchacho inmaduro hasta el ridículo, lleno de esas pequeñas idiosincrasias que parecen acompañar al actor en cualquier papel que interprete. Con él parecen querer convencernos que es un chico bueno, con potencial y buenas intenciones, al que un voto de confianza podría llevar muy lejos. Yo no quedé muy convencida, pero la película tiene un leve aire de ensueño, y quizás sea parte de la magia de la historia. En fin.

Mientras nuestro sapo intenta convertirse en príncipe aparece otro candidato: el millonario Ray Porter, interpretado por Steve Martin. Esta relación presenta ciertos paralelismos con el tipo de Mujer Bonita, aunque sin el elemento “oficial” de la prostitución. No voy a entrar en territorio de spoilers pero el guión explora estas dos relaciones y el efecto que tienen en Mirabelle, oscilando entre el melodrama y un tipo de humor más tirando a excéntrico. Ninguno de los personajes está demasiado bien desarrollado y es difícil conectar con cualquiera de ellos, en especial con el de Martin, aunque quizás esa era la idea. El problema es que a pesar de que logran mantener el interés suficiente como para terminar la película, nunca llegan a trascender. Claire Danes aporta una dulzura hermosa a su personaje, una calma y una desesperación tierna, una delicadeza y fragilidad que contrasta muy fuertemente con la Carrie Mathison de Homeland. Es una excelente interpretación, pero es decepcionada por un guión flojo y autoindulgente. Por momentos hay destellos de lo que podría haber sido, la idea de una chica sola perdida en medio de la inmensidad de una ciudad gigantesca, la falta de conexión, la soledad; pero cuando estos asuntos se encaminan a su resolución, lo hacen de forma superficial y artificial, y por eso la película termina fallando.

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En conclusión, esta es una película extraña. Creo que había potencial en el guión, aunque podría haber profundizado más, pero el director Anand Tucker lo llevó a tonos demasiado trillados quebrando las sutilezas  con una banda sonora melosa e invasiva que convierte lo que podría haber sido un momento calmo y reflexivo en algo más melodramático y sentimental. Es un intento de Perdidos en Tokio que salió mal, pero que no deja de tener algunos momentos destacables y en particular, una actuación estupenda de una actriz que alcanza profundidades insospechadas; una intérprete valiente y vulnerable que ha demostrado ser uno de los grandes talentos de los últimos tiempos. Quizás habrán encontrado más motivos para darle una oportunidad, pero por mi parte aseguro que Claire Danes es más que suficiente.

Veredicto: 6/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0338427/

George Washington (2000)

Título en español: George Washington (vamos bien)

George Washington es mi tipo de película. Quería empezar con esa frase y dejar esa idea bien clara. Y ahora voy a seguir con mis pensamientos tal cual me vengan a la cabeza, olvidando párrafos y estructura, porque sentí la película como un stream of consciousness y eso me dio ganas de hacer. Quiero mencionar dos películas/directores que se me vinieron a la mente cuando miraba esta película: el director es Terrence Malick y la película (de otro director -Harmony Korine-) es Gummo. Al primero lo menciono porque en los primeros instantes de comenzada este filme, me pareció que estaba viendo una de sus películas, allá cuando no pretendía encapsular todos los misterios y preguntas del universo (como le pasó en El árbol de la vida o Deberás amar) sino que se preocupaba por capturar belleza y poesía en formato de imagen, de trasladar sentimientos y sensaciones, armonías entre el ser humano y la naturaleza. Y lo lograba mejor que nadie en sus primeras películas o incluso la no tan vieja El nuevo mundo. George Washington, del muy interesante David Gordon Green, comienza de esta manera, y de tanto en tanto, la película hace una pequeña pausa en sus momentos de narrativa más directa, y nos deleita con esos montajes deliciosos de escenas de este pequeño pueblo en Carolina del Norte, vacío, olvidado, arruinado, de paisajes post-industriales, edificios abandonados conquistados por la naturaleza, con un espectro de personajes excéntricos, niños correteando por las calles, interactuando con animales, nadando en la piscina municipal, hablando cosas de las que hablan los niños cuando están solos con sus amigos, en esos momentos inciertos entre la niñez y la adolescencia, luego de horas y horas y días y días eternos de hacer poco y nada, de sentirse atascados en un lugar que parece haberlos dejado de lado, con miedo de quienes son o de que nada serán. Son personajes que no existen en papel, en los guiones tradicionales de películas tradicionales, más bien parecen ser modelitos tridimensionales que el director y los actores no-actores sumergieron en una piscina de autenticidad y luego de empapados en esta, los pusieron delante de las cámaras y los dejaron ser. Y a diferencia de Gummo que mencioné más arriba, estos personajes no carecen de humanidad, se ganan nuestra empatía y compasión desde el primer minuto, porque los vemos y los reconocemos como seres reales y porque el director los trata como tales, parece quererlos incluso, nos los muestra en su fragilidad y nos pide que tengamos cuidado, los pintan con una fotografía amarillenta, cálida, a veces íntima y otras contemplativa, de exquisitas cámaras lentas, y por arriba, la narración hermosa de una de las chicas, de voz soñadora y dulce o una sinfonía inmensamente conmovedora (también sumamente parecida a las de Malick). En Gummo está todo deshumanizado, podrido, y sucio; los excentricismos se convierten en grotesco, el director parecería tener solo desprecio por lo que retrata y nos lo vende a través de escenas chocantes, baratas y repulsivas. En George Washington no hay una narrativa clara, hay un evento que sucede y alrededor del cual giran muchas escenas, pero no se trata de los quiénes ni cómos ni cuándos, ni tampoco de descuartizar las imágenes hasta llegar a una literalidad que nos dé consuelo; se trata de un pedacito de vida de un lugar alejado de nuestro mundo en que las circunstancias son quizás distintas a las nuestras, pero en donde las personas no dejan de ser personas.

Le conseguenze dell’amore (2004)

Título en español: Las consecuencias del amor

Poco después de terminada la película me encuentro frente a esta página en blanco y de forma similar a su personaje principal, estoy luchando con las palabras. Es que es de esas películas contemplativas, reflexivas, que se toman su tiempo en decir las cosas, e incluso cuando lo hacen, no es directamente, sino a través de imágenes sugerentes o alguna frase escondida que parece tener más significado de lo que aparenta. Pero si empezara por lo más sencillo tendría que decir que se trata de lo que describe el título, literalmente. Así que voy a tomar eso como punto de partida.

toni servillo the consequences of love sorrentino

Titta lleva una vida que parece vacía, de reclusión social y rutinas inquebrantables. Vive en un hotel de cierto nivel en la zona italiana de Suiza y no tiene problemas de dinero. Es un hombre de mediana edad, apariencia común y modos inexpresivos. Tiene una cara de póker constante, la cual usa como espada y escudo. Es un hombre derrotado, que no arriesga, movido por la inercia. El comienzo del filme nos taladra esta idea con imágenes lánguidas, tomas largas y silenciosas, salpicadas con alguna que otra sorpresa y una banda sonora que va desde el jazz a la electrónica muy efectivamente. Todo esto es así, claro, hasta que llega el ominoso sentimiento del título. Bueno, más bien parecería que hace bastante ya que tiene el amor a su alcance, solo faltaba dar un paso, quizás, pero Titta no se arriesga hasta que el amor se le planta en la cara desafiante. Y ahí, Titta entrega todo, como dice él, bajo el riesgo de quedar en ridículo.

Este llega en la forma de Sofía, interpretada por la espectacular Olivia Magnani (nieta de la gran Anna Magnani). Esta belleza de ojos grises trabaja en el café donde Titta es un cliente regular, donde él la observa mientras intenta pasar desapercibido. Titta, a su vez, es interpretado por Toni Servillo, quien colaboró con el director en la excelente La grande bellezza del año pasado. Servillo y Sorrentino parecen tener una excelente compatibilidad y un entendimiento profundo, ya que ambas colaboraciones brindaron personajes auténticos y actuaciones poderosas. También en ambas trabajó con Luca Bigazzi, quien aporta una hermosa e intrigante cinematografía, de planos de una composición deliciosa y ocasionales maravillosos dinamismos de cámara.

Olivia Magnani the consequences of love
La película de Paolo Sorrentino trasladada a la literatura se asemejaría más a la poesía que a la prosa. Está magistralmente dirigida (a excepción de una escena que llama la atención por su torpeza) y tiene un lenguaje visual magnífico. Yo creo que uno de sus mayores logros es que provoca en la audiencia un sincero sentimiento de empatía por su protagonista, a pesar de que este es un ser frío y distante la mayor parte de la película. Sorrentino respeta a su personaje, no le tiene lástima ni lo desprecia, lo considera una especie de anti-héroe, una persona que aún no está totalmente perdida y lo reivindica en un hermoso acto de altruismo y sacrifico personal. Así y todo, aquí hay un cuestionamiento profundo: ¿por qué vive el hombre?, o mejor dicho, ¿para qué? O quizás sea acerca del cómo, cómo se lleva una vida que valió la pena vivir. Y en contrapartida, la muerte, el fin, donde tal vez lo que importa es no desaparecer completamente: puede que los últimos segundos nos brinden alguna pista acerca de esto. O si no, como Titta, espiemos a sus vecinos de habitación, allí encontraremos las respuestas.

Veredicto: 8/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0398883/

La faute à Fidel! (2006)

Título en español: La culpa es de Fidel

Esta es una de esas películas que me nace naturalmente calificar de “encantadora”. Y es que de principio a final posee una magia y una dulzura que me parecería absurdo poder criticar. Mucho de esto se debe a que la película está presentada desde el punto de vista de una niña de nuevo años, claro, pero es además un personaje tan convincente (tanto en papel como en la interpretación de la pequeña Nina Kervel) como fascinante. La historia nos introduce a la niña y su familia como miembros de la clase alta viviendo en la Francia de la década de los 70’s, pero el padre, Fernando de la Mesa nacido en España, se ve motivado por la lucha contra Franco y los movimientos pro-Allende en Chile y decide dar un giro de su vida aburguesada hacia una marcada izquierda. Si bien la directora es Julie Gravas, hija de Costa-Gravas, un director conocido por sus películas de contenido político, La culpa es de Fidel es más una historia de coming-of-age que de política, es decir, aquí importa más el desarrollo de la protagonista, quien pasa por cambios importantes no solo en su día a día sino también en su forma de pensar, y el guión es realmente exitoso en cuanto a crear un arco sumamente convincente sobre la protagonista.

la faute a fidel nina kervel

Los nuevos intereses políticos del padre y la búsqueda de la madre por promover los derechos de las mujeres conllevan cambios radicales en la vida de Anna y su hermano pequeño François. Su niñera cubana es remplazada por otras extranjeras cada una con sus modos y cocina diferentes. La enorme mansión donde solían vivir se sustituye por un pequeño apartamento donde los hermanos tienen que compartir cuarto y que es, además, el punto de reunión de los “barbudos”, es decir los numerosos militantes y activistas asociados con las causas. Y, para colmo, los padres le prohíben asistir a las clases de catequesis brindadas por el colegio católico que tanto ama Anna. Estos cambios oponen una fiera resistencia de Anna, los que la actriz manifiesta con una naturalidad y soltura rara vez vistos en actores tan jóvenes. Es realmente un placer ver como se le frunce el ceño cada vez que se enfrenta ante estos despliegues de liberalidad que tanto contrastan con sus modos anteriores (en especial con los de los abuelos que siguen siendo burgueses adinerados de Burdeos). Y como, de vez en cuando, se le ilumina el rostro con una sonrisa. Nina Kervel captura la magia del personaje y la magia del personaje es lo que vende la película.

Anna es una niña curiosa, más que cualquier otra cosa. Le encantan las historias (por ahí la compra más de una niñera) y le encanta aprender. Pero además, es una niña que no le rehuye al pensamiento crítico. Muchas de las mejores escenas surgen de observar a Anna interrogando a los “barbudos”, o a sus padres cuando intentan explicarle sus nuevas filosofías políticas o a las monjas de su escuela. El guión es excelente en estos cuestionamientos y jamás cae en el odiado cliché del niño sabelotodo: al contrario, Anna no lo sabe todo, pero está abierta a conocer, a aprender, a cambiar de opinión y a cambiar a otros. Uno de los momentos más ilustrativos de todo este proceso llega cuando la niña confunde los conceptos de “solidaridad de grupo” con el de “mentalidad de oveja” y al intentar aplicarlos aprende estas pequeñas sutilezas.

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Quizás algunos más cínicos puedan ver la película como propaganda de izquierda, y sin lugar a dudas el filme pareciera transmitir unos principios más progresistas como los ideales más deseables, pero reducirla a esto sería enceguecerse al verdadero triunfo del guión y Anna jamás se siente como una marioneta manipulada por los padres ni un símbolo utilizado por la directora; Anna es un personaje auténtico y una creación hermosa, y el corazón de la película es ver a Anna siendo Anna en esos pocos años de su niñez.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0792966/