Relatos Salvajes (2014)

Creo que debo haber sido una de las últimas personas que conozco en ver esta película argentina que dio tanto de que hablar. Así que cuando me dispuse a verla, contaba con un bagaje muy grande de opiniones de personas cuyos gustos respeto, otras que no, y un sinfín de otros comentarios que leí por las redes. Cuando uno recibe tanto feedback de algo así, es difícil no crear algún tipo de expectativa, pero la diversidad de los comentarios que escuchaba me desconcertaban. Pensé que me iba a parecer que estaba sobrevalorada por algunos, que me iba a resultar un tanto pretenciosa y por otro lado, que no le iba a encontrar tanto humor como otros. Afortunadamente, no me sucedió ninguna de esas tres cosas: me parece que merece todo los halagos que recibe, que no es pretenciosa sino inventiva, fresca y original, y me resultó extremadamente graciosa: es más, yo no soy mucho de las comedias y es muy difícil encontrar algo que me haga reír en voz alta, y esta lo logro muchas veces. Un éxito rotundo.

Como ya muchos deben saber, la película consiste de 6 cortos que no tienen conexión narrativa, pero sí más de un vínculo temático. Las 6 historias están embebidas del humor más negro y lidian con temas de venganza, pérdida de control, y mucha, mucha rabia. Comienza con “Pasternak”, donde un grupo de pasajeros en un avión comienza a darse cuenta de que todos son conocidos del hombre del título en cuestión, y por tanto, víctimas de un maligno plan de venganza. Probablemente el más corto de los cortos, y también uno de los más graciosos. A esto le siguen otras 5 diversas historias, que en resumidas cuentas tratan de: dos hombres enfrentados en un “quién puede más” en medio de una ruta desierta en el norte argentino; un jardinero que aceptará la culpa de un accidente ocasionado por un muchacho de familia adinerada; una mesera y cocinera discuten sobre la venganza contra el único comensal en un restaurante aislado y súper yanqui; un ingeniero harto de la burocracia estatal, de ser pisoteado, y en particular, de que le remolquen el auto, de repente ya no puede aguantar más y una boda en la cual salen los trapos sucios de los novios y desciende en el más puro descontrol. En fin, como verán, hay para todos los gustos.

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El escritor/director Damián Szifrón, el hombre detrás de la genial serie argentina Los simuladores, no escatimó en nada. La producción es estelar, con una fotografía muy cuidada y con una mirada descontracturada e inusual, contribuyendo enormemente a la atmósfera de bizarreada que pulula en la película. Los efectos visuales y el arte no tienen nada que envidiarla a las producciones hollywoodenses, y la banda sonora es una buena combinación entre piezas pop y kitsch y las composiciones originales de Santaolalla, que a menudo remiten a las tonadas clásicas de los spaghetti westerns. Además, cuenta con un excelente elenco, incluyendo al omnipresente Ricardo Darín, que protagoniza el corto “Bombita” (el del ingeniero), a Leonardo Sbaraglia (uno de los protagonistas -el pibito engreído de clase alta- de “El más fuerte”), Oscar Martínez como el padre del muchacho del accidente (en una de mis actuaciones favoritas de la película, por momentos empático y por otros hilarantes) y Érica Rivas como la novia en el último corto, una actuación demente, exagerada y fantástica.

No es de extrañar que entre los productores del filme encontremos a los hermanos Almodóvar, porque el filme transpira almodovarismos por todos lados, desde su sentido del humor negrísimo hasta las actuaciones llevadas a los extremos, las resoluciones macabras, el melodrama y la jocosidad general. Pero además de presentarnos con una buena dosis de humor, Relatos Salvajes presenta otras temáticas interesantes. El juego de clases en un aspecto recurrente en los cortos, los antagonismos muchas veces se dan entre personas de clase alta y otros más humildes, entre instituciones como el gobierno y el matrimonio, y la persona individual. Con estas temáticas hirviendo bajo la superficie, las imágenes que se nos presentan son violentas y gráficas; muchos de los cuentos siguen las fórmulas de los estereotípicos thrillers, introduciendo símbolos presagiosos, red herrings y vueltas de tuerca. Los cortos son de una edición precisa y una fluidez extraña: así como sus personajes, explotan a tiempos y destiempos y desconciertan y chocan, siendo a un mismo tiempo previsible e imprevisibles, lo que genera una atmósfera de suspenso y tensión deliciosa.

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A menudo Relatos Salvajes se siente como la realización de una fantasía, otras veces nos pueden parecer casos extremos de justicia poética, y otros tantas quizás nos resulten un poco demasiado. Pero lo interesante de estas 6 historias es que tras toda esa pérdida de control sin remordimientos, yace una fuerte convicción de rebelión. Un sentimiento subversivo, un “yo no tengo por qué tolerar esto”, y aunque las resoluciones sean violentas, fuertes, quizás poco deseables bajo la consideración de una mente fría, son manifestaciones de personalidades que ya están hartas de pavadas, y hay algo hermoso e inspirador en todo esto. Hay cortos más efectivos que otros, y leves momentos en que la película parece perder un poco de momentum, pero la mayor parte es un viaje en extremo divertido y muy inteligente, que desde que comienza hasta que termina, explota, explota, y vuelve a explotar, de ira, de rabia, de enojo, de todo.

Veredicto: 8/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3011894/

Birdman: or (The Unexpected Virtue of Ignorance) (2014)

Título en español: Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)

Pueden pensar lo que quieran de Birdman, pero hay una cosa que es innegable: esta película es el producto de una visión inspirada, creativa y única, de un director que ha demostrado consistentemente que busca explorar las posibilidades del lenguaje cinematográfico y que ha reunido (como suele hacerlo) un equipo inmensamente talentoso que lo acompaña en el camino. Si hay algo evidente sobre esta película, es la claridad de la visión, el casi tangible cariño para con el material y la originalidad del producto final. Y aquí voy a ser sincera y admitir que por más que es difícil no reconocer la potencialidad de un director como el mexicano Iñárritu (el de Amores Perros, 21 gramosBabel), nunca me terminaba de conquistar porque notaba una insistencia entre densa y pretenciosa en la proyección de sus ideas, pero en el caso de Birdman, esta afectación da lugar a algo que es mucho más gratificador y disfrutable para el espectador: la obvia realización de que estas personas se estaban divirtiendo a lo grande.

Esto se deba, quizás, a que Birdman haya sido catalogada como una comedia, lo cual le permitió a Iñárritu desprenderse de esos intentos de solemnidad que pesan tanto en sus películas pasadas, y le permite una libertad de expresión mucho mayor, y por eso se alza por sobre las otras. El guión, escrito en equipo por el propio Iñárritu y 3 más (incluyendo al argentino Armando Bo), trata de un actor venido a menos, la ex estrella de una saga de acción sobre un superhéroe llamado nada más y nada menos que Birdman, quien intenta recuperar su fama y autoestima mediante el montaje de una obra en Broadway. La obra es una adaptación del cuento corto de Raymond Carver titulado “¿De qué hablamos cuando hablamos de amor?”, escrita, dirigida y protagonizada por el propio actor llamado Riggan (Michael Keaton). El guión gira en torno a los días previos al estreno de la obra y se ciñe muy ajustadamente a Riggan, siguiéndolo casi constantemente, con una cámara fluida de largos y fascinantes planos secuencias (simulando ser una sola toma continua) que se cuelan por todos los rinconcitos del teatro y que solo lo abandonan ocasionalmente, para acercarnos brevemente a lo que está sucediendo con los personajes secundarios, la familia, amigos y colegas del propio Riggan.

Birdman

Los más importantes (e interesantes) son su hija Sam, interpretada por Emma Stone en un papel de adolescente rebelde y mala onda, que le queda muy bien, pero tampoco es tan merecedor de todas las nominaciones y premiaciones que está recibiendo; una de las estrellas de la obra, Mike, un hombre intenso como pocos, interpretado por un Edward Norton en plena demostración de su inmenso talento; la novia de Mike, Lesley, una actriz debutando en Broadway, interpretada por Naomi Watts que logra demostrar una vulnerabilidad y sensibilidad hermosa en muy poco tiempo; y Jake, el productor, abogado, y mejor amigo de Riggan, interpretado por el capo de Zach Galifianakis. Los elementos cómicos del guión giran en torno a las diversas complicaciones que tiene Riggan para lograr su objetivo, y más secundariamente, a los distintos problemas que tienen el resto de los personajes, que van desde egos desmedidos ocultando problemas de seguridad, hasta adicciones y problemas de autoestima. Aunque la película lidia con temas relativamente serios, lo hace con una naturalidad respetuosa y nunca se torna exageradamente dramática. Para ser sincera, el guión no termina de convencer tanto: algunos de los diálogos son algo torpes y hacia el final parece tirarse un poco para atrás, pero gracias a la decisión del director de aproximarse al material con sentido del humor y un estilo visual más liviano, la película es inmensamente disfrutable, y esta queja se convierte en algo menor en lo que es una muy buena película.

Además de enfocarse en sus personajes, la íntima cámara de Emmanuel Lubezki (uno de los mejores directores de fotografía actuales y de todos los tiempos) nos muestra el detrás de escena del mundo de Broadway y a veces logra algún que otro comentario incisivo sobre la naturaleza del mundo del espectáculo, abarcando tanto críticos, como espectadores, como artistas, pero no opta por ahondar en ninguna de estas temáticas sino más bien en explorar la psicología de sus personajes, en particular la de Riggan. Riggan es un personaje sumamente interesante, acosado por el fantasma de su personaje más célebre (casi literalmente), debatiéndose entre la culpa de no ser un mejor padre, marido, novio, y las ganas de probarle a los demás (y a sí mismo) que es un artista serio, que tiene algo que decir y que aportar al mundo del teatro. Explorando la web me encontré con que muchos la encuentran pretenciosa, pero si bien podría aceptar esta etiqueta para los trabajos anteriores de Iñárritu, Birdman se destaca por no tomarse tan en serio, por dejar que el amor por el cine que tienen sus realizadores se cuele por entre todos lados y nos devuelva un producto hermoso.

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Se trata de una película que fluye y avanza al ritmo de su propio tambor, que toma riesgos que resultan (aunque no tantos como me hubiera gustado) y explora y expande los distintos recursos que aporta el medio. La banda sonora, que me recordó a Whiplash porque consiste principalmente de percusiones, también me acercó al trabajo de Jonny Greenwood en las películas de Paul Thomas Anderson, no tanto musicalmente, sino por el efecto que producen, creando una atmósfera bizarra y desconcertante. Pero el corazón de Birdman es Keaton, él mismo un ex-superhéroe (el primer Batman de las películas de Tim Burton), un actor que hace tiempo había quedado en el olvido, como su personaje, pero que aquí demuestra que aún tiene muchísimo que dar. La suya es una interpretación sincera, vibrante, empática, y domina tanto los momentos de humor como las escenas más conmovedoras. Es un gran regreso para el actor, lo que innegablemente también le aporta una dimensión más profunda a la película. Creo que esta es mi favorita de Iñárritu hasta la fecha, su afán por la multiplicidad de personajes e historias se ve reducido un tanto en torno al protagonista, y su visión cinematográfica, que es siempre interesante, resulta mucho más atractiva para la comedia, por lo que espero que su carrera siga en esta misma línea. En fin, Birdman es divertida e inventiva, y a pesar de perder un poco su camino más hacia el final, en su totalidad está hecha con una fe y cariño por parte de sus realizadores que es imposible no quererla. Ah, y los créditos iniciales son fantásticos.

Veredicto: 8/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2562232/

Minireseñas: El orgullo de los votos de pasión

The Vow (2012)

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Título en español: Votos de amor

Antes de leer este comentario y tomárselo demasiado a pecho, hago una declaración. Este es uno de los tipos de película que menos disfruto en general, y solo la vi porque tenía una abstinencia muy grave de Rachel McAdams (como verán más abajo, tengo un fanatismo importante). Es una comedia romántica, de estas que disfrutan de probar a la pareja feliz con un problema de salud medio grave y ver cómo se las arreglan (si es amor del real, claro). En este caso, tenemos a Leo (Channing Tatum) y Paige (McAdams): vemos cómo se conocen, cómo se encanta y cómo comienzan una vida juntos, casados y enamorados. Son un par de artistas, mentes liberales, espontáneos, llenos de vida, en fin, te venden a la pareja que todos quieren ser. Pero sucede que luego de un accidente, Paige pierde la memoria de este nuevo ser tan copado en que se había convertido, y su último recuerdo es de su vieja vida, cuando todavía vivía con sus padres súper conservadores (Sam Neill y Jessica Lange) y estaba enamorada del chetito sorete Kyle. Así que Leo se ve obligado a intentar reconquistar a su esposa, aunque esta es apenas una sombra de lo que solía ser. Esta película está hecha para llorar, pero en especial, para hacerse con un estándar del amor y de un príncipe azul incluso más irreales que las películas más fantasiosas de Disney. No hay absolutamente nada que destacar más allá de las actuaciones decentes de los involucrados, y en especial, la magia de ver a McAdams brillar en la pantalla. (Ya les dije que era fan.)

Veredicto: 3/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1606389/

Passion (2012)

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Título en español: Pasión

Ay, Brian De Palma, ay. Es el Hitchcock terraja de nuestros tiempos. Qué tipo que me produce sentimientos tan ambivalentes. Es que tiene un estilo increíble, una lenguaje cinematográfico único y personal, instantáneamente reconocible y muchas veces súper interesante, pero lamentablemente casi siempre está puesto al servicio de unos guiones paupérrimos, superficiales, ridículos y hasta insultantes. Este es el caso de Pasión, una película que gira en torno a las ambiciones de dos mujeres de negociosos que compiten por un ascenso. Una es interpretada por Rachel McAdams, aquí representando a las rubias frías que tanto le gustaban a Hitch, una mujer viciosa, psicótica y sádica. En contraposición está Noomi Rapace, algo más sumisa y manipulable en apariencia, pero oh sorpresa que el guión nos depara una dosis básica de giros de tuerca. Nótese que opté por usar los nombres de los actores directamente, porque aquí no hay personajes. Demás está decir que lo absurdo de las vueltas del guión son, en parte, intencionales. Acá se está optando por una atmósfera surreal, narradores no confiables y toda la cosa; además, todo está salpicado del más negro de los humores, pero incluso admitiendo esto, hay límites. Porque aunque De Palma quisiera hacer uno de esos thrillers eróticos y exagerados que tanto le gustan, Pasión nunca se siente lo suficientemente arriesgada: la violencia y el sexo, que podrían haber vendido el absurdo, están bastante recatados, por lo que el espectador no tiene de dónde agarrarse. Los personajes son incluso menos que caricaturas, no sabemos nada de ellos, de donde vienen ni qué los motiva; esto, sumado a la implausibilidad de la trama, resulta en un suspenso muy artificial, porque poco nos importa qué pasará. McAdams está deliciosa en el papel, Rapace increíblemente irritante, la banda sonora de Pino Donaggio es exquisita, y es, más allá de juicios de valor, sumamente interesante visualmente, pero en definitiva, es imposible verla como una buena película.

Veredicto: 4/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1829012/

Pride (2014)

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Por alguna razón, desde que comenzó esta película, no pude evitar pensar que hubiera sido un excelente musical. Hay algo tan alegre, tan dinámico en los ritmos y tiempos que maneja, y los personajes son tan coloridos y entrañables, que fácilmente habría resultado un éxito en ese medio. No me sorprendió en absoluto cuando recién, leyendo sobra la película, leí que estaba siendo adaptada para una comedia musical: ¡un éxito! De cualquier forma, Pride funciona bastante bien así como está. Se trata de la improbable unión entre un grupo de activistas de gays y lesbianas con un gremio de mineros galeses en huelga, durante la huelga nacional británica de mineros en 1984, bajo el duro mandato de Margaret Thatcher. Debido a que la Unión Nacional de Mineros no quería verse involucrada con un grupo LGTB, el grupo activista Gays y Lesbianas Apoyan a los Mineros, liderados por el joven Mark, deciden llevar sus esfuerzos al pequeño pueblo de Onllwyn en Gales, en donde un par de los locales están interpretados por actorazos como Bill Nighy, Paddy Considine e Imelda Staunton . Esto impulsa un montón de giros dramáticos en el guión que están muy interesantes. Lo más lindo, por supuesto, es ver cómo los personajes van desprendiéndose de prejuicios y uniendo fuerzas, ambos grupos unidos por el abuso, y cómo se crea un vínculo sincero entre ambas partes, y en particular, entre varios personajes. Sería difícil saber si en la vida real esto se dio tan así, pero aunque en el filme esté un tanto idealizado, no rechina tanto porque, como venía diciendo, la película en general crea una atmósfera súper festiva y no se disculpa por presentar los hechos con un tinte de romanticismo. Por otro lado, demás está decir que el guión contiene bastantes clichés: el ejemplo más claro quizás sea el homosexual extravagante que conquista a todos con sus pasos de baile (interpretado por un maravilloso Dominic West, muy alejado de su Jimmy McNulty de The Wire), pero a pesar de ser un tanto trillada, siempre se siente sincera. Hay algunos aspectos poco desarrollados del guión (la amenaza del SIDA, el arco de varios personajes, incluyendo uno de los protagonistas, Mark) que la tiran un poco abajo, pero en general, Pride es una película muy divertida, conmovedora y, en particular, hecha con mucho amor.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3169706/

Under the Skin (2013)

Advertencia: con una película como esta, me cuesta determinar qué es bien un “spoiler“, si bien no hay nada que podría considerarse un spoiler grosero, quizás en esta reseña me adentro un poco más en el detalle que de costumbre.

Título en español: Bajo la piel

Los que conocen el trabajo del director Jonathan Glazer, el realizador de la extrañísima Birth con Nicole Kidman y el hombre detrás de videos como el Virtual Insanity de Jamiroquai o el Karma Police de Radiohead, sabrán ya que es un tipo con una visión súper personal y altamente desarrollada. Pero para los que no están familiarizados con su trabajo, este hecho se torna una obviedad ni bien comenzado el filme, ya que el principio es un montaje de bizarreada variada, un juego de luces de algo que parece ser la creación de un ojo humano, acompañado de una banda sonora inquietante y perturbadora; una serie de imágenes de una estética cuidada, futurista y elegante, y que nos dan alguna pauta de lo que vendrá a continuación. Esto me recordó casi inmediatamente a Persona de Ingmar Bergman, la cual también comienza con un intrigante montaje y que, si se quiere, tiene alguna que otra cosa en común con el filme de Glazer.

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La primera secuencia de la que nos podemos agarrar para ir armando una narrativa es la de una Scarlett Johansson desnuda haciéndose con la ropa de una mujer que yace muerta o inconsciente en un espacio vacío, completamente blanco. Una vez en “personaje”, la mujer interpretada por Johansson, que es presentada en los créditos simplemente como “la hembra”, comienza lo que veremos reiteradas veces en el correr de la película: la caza. Manejando una camioneta grande por las calles de Escocia, la hembra está al acecho de una víctima masculina. Su modus operandi es el siguiente: escanea la ciudad por hombres que parezcan estar solos y sin ningún compromiso inmediato y fingiendo ignorancia, les pide direcciones; durante el breve intercambio de palabras, ella con un acento británico más cuidado, ellos con un escocés cerradísimo, los invita a subirse a la camioneta y alcanzarlos a algún lugar. A ellos no les lleva demasiado tiempo dejarse seducir por la belleza avasallante de Johansson, y a su vez, ella no pierde tiempo en entrar en un juego de flirteo que rápidamente culmina en ir juntos a su guarida. Una vez allí, se da el fallido ritual de apareamiento; al menos fallido para la pobre víctima, que al avanzar hacia la hermosa mujer, ignorando el espacio que los rodea, de una negrura total, ambos quitándose sendas prendas de ropa, se va sumergiendo cada vez más en la oscura espesura, mientras que la otra pareciera caminar sobre esta sin ser afectada, satisfecha de haber cumplido con su objetivo.

Toda esta secuencia de caza es reiterada varias veces, tornándose un tanto repetitiva. Una nota interesante es que al parecer las víctimas de Johansson no son actores, sino hombres comunes y corrientes deambulando las calles de Escocia, a los que primero se filmó a escondidas, y luego se les revelaba que era parte de una película. De hecho estas escenas tienen una cierta autenticidad muy interesante, a pesar de la torpeza con la que interactúa la hembra, y esta espontaneidad refuerza un punto que suena muy fuerte en el filme: la rapidez con que estos hombres caen en las garras de esta especie de sirena alienígena. Inspirada quizás en las historias folclóricas de la región, algunas que refieren a seres como las selkies o más directamente la figura de la sirena (ese híbrido de mujer con criatura de mar que seducía a los marinos solitarios), sobre las que en Escocia se cuenta, por ejemplo, que si un hombre se llegase a enamorar de una de estas, ella lo arrastraría hasta las profundidades para siempre. Pero más allá de estas figuras de inspiración, la criatura que aparece en el filme de Glazer es claramente extra-terrestre. Allí sumergidos, el contenido de los cuerpos parece ser succionado, quizás con fines de estudio y análisis, dejando atrás nada más que la piel. Todo el ritual parece ser o bien una obligación o una necesidad para la hembra. De hecho, parece tener una especie de supervisor, un hombre que anda en moto y que parece reparar los errores de la hembra; un personaje que resulta incluso más ambiguo que ella.

Haciendo buen uso de su característica inexpresividad, Johansson se pasea por la película con una mirada vacía y con extremo desapego, mientras que el director nos alimenta de pistas que refuercen su falta de humanidad y completa apatía por todo lo que la rodea. Una vez establecido esto, el guión toma un giro que se manifiesta en un quiebre en la modalidad robótica del alien seductor y comienzan a colarse algunos sentimientos y sensaciones que la dejan completamente desconcertada y necesitada de ayuda. Aquí aparece un buen samaritano que, convenientemente, no tiene preguntas ni actúa de una manera que sea coherente con cualquier persona común y corriente, pero que la acompaña con increíble empatía. Es aquí que el guión comienza a hacer un poco de agua y el intento de los realizadores por hacer un comentario sobre nuestra terrible “sociedad” se siente un poco artificial y tosco: en mi opinión, el filme funciona mucho mejor en un nivel más superficial.

He's excited about his part in the film

Bajo la piel, una producción que llevó 10 años en realizarse, es una película que le hace justicia a su medio. Sus mejores logros son en cuanto a lo estético y lo visual. La fotografía de Daniel Landin es hermosamente evocadora cuando retrata los paisajes escoses y elegancia pura cuando nos adentra en los espacios más alienígenas; alterna entre ángulos de cámara que nos hacen sentir invasores a nosotros mismos y unos primeros planos intensísimos del rostro de Johansson. Es un trabajo inspirado y magistral, y es lo que hace a Bajo la piel una película que tiene que ser vista. Además, está musicalizada a la perfección por la novata Mica Levi, quien mezcla una electrónica experimental con un juego de vientos perturbador y memorable. Por otro lado, el guión, casi carente de diálogos, apunta a por algo más ambiguo y esotérico, completamente desprovisto de exposición. Esta oscuridad, sin embargo, además de fomentar una interesante atmósfera de desconcierto, parece querer esconder baches y conceptos que no sabría cómo manejar más abiertamente, taladrándonos con simbolismos cansados. A pesar de estos desperfectos que denotan cierta inseguridad en el material de origen, la película le tiene una fe ciega a su lenguaje visual y es en este ámbito que el filme es realmente un triunfo.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1441395/

Loong Boonmee raleuk chat (2010)

Título en español: El hombre que podía recordar su vidas pasadas (Tío Boonme)

Esta es una de esas películas que la primera reacción que me inspiran es un sencillo “se les fue la moto”. Yo creo que cuanto más independiente, más extranjera, más larga, más lenta y más oscura es la película, más miedo tienen algunos de expresar sus opiniones sin quedar como, o al menos, sin ser acusado por otros como un filisteo o recibir la clásica “no la entendiste”. También existe el grupo contrario, aquellos que al no gustar de una obra de esta especie, acusan a los demás que sí gustaron de ella de ser pretenciosos, snobs o atinan a decir que no creen que les haya gustado realmente. Es gracioso ver cómo ambos bandos se pelean por algo que debería ser sencillamente un “o te gustó, o no te gustó” y decidir creer en que ambas partes están expresando ambas opiniones de forma sincera. Bien, tras este probablemente innecesario prólogo, voy a pasar a colocarme en el grupo de los que no nos gustó. Y a continuación el por qué.

La película del director tailandés Apichatpong Weerasethakul (quien está en carrera para convertirse en el señor con el mejor nombre de toda la historia) trata del tío Boonmee, aislado en su casa de campo y muriéndose de una enfermedad en los riñones, quien es acompañado por su cuñada y sobrino que vienen de visita de la ciudad, y su enfermero, un inmigrante de Laos. Pero como si la compañía de estos no fuese suficiente, el tío Boonmee es visitado por los espíritus de su fallecida esposa Huay y su hijo quien aparece en modalidad de un mono gigante (un disfraz al parecer deliberadamente espantoso). Juntos comparten una cena al principio de la película recordando algunos momentos de su pasado juntos: es una escena lenta, de tomas eternas, bellamente fotografiada en la semi-oscuridad, acompañada por los ruidos de grillos y la naturaleza que los rodea. La aparición de estos espíritus, aunque inesperada por los seres más terrenales de la película, es recibida con poca sorpresa y tomada con bastante naturalidad, fomentando la fuerte espiritualidad de la película, que se concierne con temáticas budistas y la reencarnación.

uncle boonmee español tío

Si bien disfruté este momento de algo que se parece mucho al “realismo mágico”, finalizada esta escena la película se me hizo muy difícil de terminar. Llevando una narrativa no linear, el filme nos muestra diversas escenas representando vidas pasadas del tío Boonmee, que si bien estéticamente son de una belleza incomparable, principalmente porque la selva del sudeste asiático tiene innumerables encantos y los realizadores la saben destacar muy bien, me resultaron muy poco efectivas a nivel dramático. A diferencia de su película anterior, la excelente Fiebre tropical (2004), esta no logró una conexión emocional conmigo, lo cual convirtió la mayoría de las decisiones estilísiticas del director en grandes fracasos. El ritmo comatoso de la película, que desde el comienzo nos deleita con lo que parece horas de un búfalo de agua deambulando por la selva, donde abundan escenas silenciosas de los cuidados médicos del tío Boonmee, o la peor ofensa: una eterna caminata hacia una cueva donde iría a convergir el misticismo de la historia, se me hizo insoportable. No todo lo que es lento y deliberado es bueno.

Como muchos otros han dicho sobre esta película: “no es realmente una película”. Ha sido descrita como una experiencia o como un viaje. Como tal, debe ser una de las películas más personales que han existido. Lo único que importa, entonces, es si arranca una reacción primitiva y visceral de uno, porque hay poco que disfrutar si esto no sucede. En mi caso, creo que quedó claro que no lo logró. Me pareció tediosa y poco interesante; innecesariamente oscura y aburrida, una película que trata de desafiar a las audiencias de la peor manera, porque es más bien un: “¿cuánto podés aguantar?” antes que un verdadero desafío intelectual. Me recordó un poco a una escena interminable de la Solaris de Tarkovsky, donde Berton vuelve a la ciudad en auto, y son 5 minutos del tipo manejando por la carretera sin más. Hay una teoría que sugiere que esta fue la manera del director de filtrar a las audiencias más comedoras de pop y menos intelectuales, y dejar que solo los “conocedores” la siguieran viendo. No sé si será verdad, pero se siente muy así. Y si bien en Solaris es solo esa escena lo que me da esta impresión, en el caso de Tío Boonmee, casi toda la película parece proponer esta pretensión patética y absurda de que el aburrir al espectador prueba algo sobre su inteligencia y la inteligencia de los creadores.

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Tío Boonmee fue la ganadora de la Palma de Oro en Cannes. El guión parece cargadito de un montón de temáticas que en papel suenan interesantísimas: la espiritualidad, el budismo, la reencarnación, el karma (que es observado por el Tío Boonmee al justificar su enfermedad con su pasado de soldado anti-comunista -la guerra aportaría algún tipo de contexto histórico, principalmente porque la película se sitúa en la frontera, pero su referencia es demasiado sutil como para permearse realmente en el arco dramático), pero que son presentadas de una manera tan tediosa y auto-indulgente que cualquier conexión emocional con ella es imposible. Tiene una fotografía interesante y alguna de las viñetas puede resultar interesante (el epílogo, por ejemplo, podría haber sido un triunfo si no fuera la conclusión de algo tan pobre), pero en definitiva, resulta impenetrable.

Veredicto: 4/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1588895/

Amarcord (1973)

Esto es Fellini en su época multiloca. Ya había pasado su etapa más mesurada en que usaba a su esposa Guilietta Masina para dramas un tanto más terrenales y de una narrativa un poco más convencional, aunque a decir verdad decir “convencional” para describir a Fellini no me suena para nada acertado. Pero de cualquier forma, es importante distinguir estas dos épocas en su carrera ya que contienen diferencias estilísticas y narrativas bastante marcadas. El título podría ser traducido como “yo recuerdo” del dialecto de Rimini, el pueblo de donde proviene el director, y básicamente nos da una idea de lo que se trata el filme. Aunque este negó que fuera completamente autobiográfico, sí admitió que algunas escenas son inspiradas en hechos que vivió durante su juventud, pero verídicos o no, la película consiste en una serie de viñetas que combinan lo anecdótico con los sueños y las fantasías basadas en un grupo de amigos adolescentes, sus familias, y el pintoresco pueblo en donde viven.

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La película está ambientada en la década de los 30′ en la era fascista de Italia, liderada por Il Duce, a.k.a, Benito Mussolini y contrapone las presiones y limitaciones ejercidas por esta facción política con las presiones y limitaciones que aún profesaba la Iglesia Católica y la influencia que tenían en el psique de la persona promedio, que se encontraba atrapada entre estas dos potencias sin mucha posibilidad de trascenderlas. Pero si bien todo esto puede sonar ultra dramático, en manos de Fellini todo es ridiculizado hasta un tono cómico, y la película adquiere una liviandad que la hace enteramente llevadera. Se centra principalmente en Titta, un adolescente que aún andaba de short (en la época en que los pantalones largos estaban reservados para adultos) pero que estaba ansioso por experimentar algunos de los beneficios de la adultez, principalmente los de tipo más sexual. De hecho, las exploraciones sexuales de los jóvenes adolescentes es uno de los focos principales del filme, y uno de los mejores logrados. Nos otorga algunas de las mejores escenas como las confesiones en la Iglesia acerca de la masturbación y el encuentro de Titta con la dueña súper tetuda de una tabaquería; ambos momentos sumamente divertidos.

Como era usual en Fellini, los personajes del encantador Rimini son excéntricos, exuberantes, grotescos y caricaturescos. Además de la ya mencionada tabaquera tetuda, tenemos un viejo y elegante narrador que de tanto en tanto nos deleita con informes detallados de la historia del pueblo, pero que es constantemente interrumpido por tonterías que suceden a su alrededor; la prostituta del pueblo, Volpina, una chica simpática pero con pocas luces; la monja enana mala onda; el tío loco de Titta que se trepa a un árbol y grita desesperadamente que quiere una mujer; el vendedor ambulante que tiene un arsenal de anécdotas fantásticas; la Gradisca, la mujer veterana de la que todos están enamorados, y la forma en que caminaba meneando sus caderas. En fin, ya se hacen una idea. Con esta sarta de personajes, la mayoría interpretados por actores amateurs ya que Fellini favorecía un rostro interesante antes que talento para la actuación, no es de extrañar que la película a menudo sea grosera, vulgar y, por qué no, bizarra, pero está tan recubierta por un velo de sincera nostalgia, que en vez de provocar rechazo, se siente como una auténtica evocación de una mente de un joven muchacho.

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Este velo nostalgioso, además, es fomentado por una bellísima fotografía, tanto cálida como de colores impactantes y vibrantes, remarcando a la vez una dulce melancolía e impulsando los tonos exagerados de la bizarreada que abunda. Un efecto similar tiene la espectacular banda sonora del maestro Nino Rota, que aporta por momentos ternura y por otros una onda más carnavalera y que une las distintas viñetas creando una sensación de armonía muy linda. Aquí no podemos esperar continuidad, ni un impulso narrativo convencional; es más parecido a un collage de recuerdos, anécdotas, fantasías y sueños, y lo que en papel podría sonar un tanto pretencioso, no sufre ese destino porque Fellini lo aproxima con humilde franqueza y lo que transmite es absolutamente auténtico. Es la vida del adolescente varón, que salta de jugarretas con sus amigos, a tensos almuerzos familiares, a sus obligaciones en la escuela y en la Iglesia, a sus fantasías sexuales y sueños de fama. Es esto y mucho más, porque Fellini también les da su espacio a los adultos del pueblo, que en conjunto, como nos muestra el bellísimo final, parece más bien una gran familia. Es este amor y cariño que tiene el director por sus personajes, por su pueblo, por su mundo, lo que hace a Amarcord, su último éxito comercial, una película mágica.

Veredicto: 8/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0071129/

Liv Ullmann

Hoy es el cumpleaños de una de mis actrices favoritas de la vida, y además de ser ser una de mis actrices favoritas de la vida, también es una de las mejores del universo entero. Lo primero es subjetivo y lo segundo es objetivo, ¿pero vieron que coincide? Sí. Además es una capa en pila de sentidos. Por ejemplo, es súper multi-cultural: es una noruega nacida en Japón pero que alcanzó la fama actuando en películas suecas con el gigantísimo Ingmar Bergman. Pero además de ser una de sus musas de la actuación, también llegó a dirigir una película escrita por él, la excelente Trolösa con la capa de Lena Endre y uno de sus co-protagonistas más recurrentes: Erland Josephson. Además del cine sueco, también trabajó en el medio noruego y en teatro en ambos países; trabajó hasta en el teatro de Nueva York y fue nominada a dos Tonys. Se casó dos veces y tuvo un romance con Ingmarcito con quien tuvo una hija. Habla un montón de idiomas. Su abuelo fue enviado a un campo de concentración por ayudar a judíos a escapar de donde vivía. Su nombre, Liv, significa “vida” en noruego.

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En fin, y es, y era, hermosa. Y es, y era, inmensamente talentosa. Y tenía, y tiene, uno de los rostros más expresivos del universo. Y sí, me gustan los superlativos para las cosas que amo. Aquí van mis 5 actuaciones favoritas de ella. Son todas colaboraciones con Ingmar Bergman, sí, no me disculpo.


5. Skammen (1968)
(Vergüenza)

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Como la mayoría del trabajo de Bergman, esta película es absolutamente deprimente. Se trata de una pareja de músicos que se ve involucrada en el medio de una guerra civil. Esta pareja, que además es apolítica, llevaba una vida sencilla y sin demasiados lujos, llena de amor, pero se comienza a desmoronar cuando la guerra los alcanza. Max von Sydow y Liv Ullmann son el foco principal del filme, y ambos están espectaculares en dos papeles que ponen de manifiesto distintas formas de lidiar con la situación en la que se ven involucrados. Es increíble ver la deconstrucción, y también quizás la deshumanización de los personajes. No hay explicaciones sobre quiénes luchan ni por qué, ni es demasiado fácil distinguir un bando del otro; la película tiene un carácter más universal de los horrores de la guerra y, en particular, como afectan la psiquis humana. Y, fiel a su nombre, la vergüenza se cuela por todos lados, de diversas maneras. Esta es una de las películas más accesibles de Bergman: el carácter minimalista de la historia, la hermosa fotografía en blanco y negro y las fascinantes actuaciones de los protagonistas la hacen una de sus obras maestras.

Veredicto: 9/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0063611/


4. Viskningar och rop (1972)
(Gritos y susurros)

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Esta es la actuación más peculiar que incluí en la lista, y es porque aquí el personaje de Ullmann es decididamente menos empático que el resto. El filme, como muchos otros de Bergman, es todo sobre mujeres, y creo que vale destacarlo ya que incluso hoy en día, los buenos papeles para mujeres actrices son menos comunes que para sus colegas masculinos, y Bergman ofrecía consistentemente papeles femeninos de una complejidad y profundidad inigualable. En fin, a principios del siglo XX en Suecia, Agnes, el personaje de Harriet Andersson (gran actriz y frecuente colaboradora del director), se está muriendo de cáncer en su mansión rural y es visitada por sus dos hermanas Karin y Maria (Ullmann). Pronto se torna evidente que la familia es altamente disfuncional y que ambas hermanas sufren trastornos varios que las imposibilitan de evocar ningún tipo de empatía por su pobre hermana, cuyo único consuelo está en los cuidados de su empleada Anna. Es una película perturbadora, de imágenes chocantes, colores intensos y mucho simbolismo; una de esas que te atacan a nivel visceral y no te dejan ir. La actuación de Ullmann aquí es perversa, por momentos deliciosamente sutil, y por otros poderosamente intensa. Hay una malicia detrás de esos ojos azules que da escalofríos.

Veredicto: 9/0

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0069467/

3. Scener ur ett äktenskap (1973)
(Escenas de un matrimonio)


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Originalmente era una mini-serie de televisión de seis capítulos, que luego fue re-editada en una película bastante larga. Existe la versión de 169 min. y la de 283 min. que cubre todo el material de la serie original. Tengo entendido que ambas son excelentes, y no lo dudo viniendo de Bergman; pero yo vi la versión extendida y la puedo recomendar muy alegremente. Como ilustra el título muy elocuentemente, la película trata de varios años en la vida de un matrimonio: Marianne (Ullmann), una abogada, y Johan (Erland Josephson), un profesor de universidad. Al comienzo parecen felices en su relación, la que se contrasta con una pareja amiga que parece más obviamente disfuncional, pero como podemos esperar de Bergman, esta ilusión de felicidad se va desvaneciendo a medida que la película avanza. Realmente no hay demasiado más que comentar en términos de trama. Lo brillante de la película es el estudio que hace el director de la institución del matrimonio, pero más específicamente, del relacionamiento humano. La longitud le permite explorar diversos ángulos en profundidad y el resultado es inmensamente gratificador. Con una química descomunal, Josephson y Ullmann se entregan a sus papeles con una pasión y dedicación admirables, y logran proyectar personas más que personajes, pareciéndose más a un documental que a un trabajo de ficción. Es auténtica, real y devastadoramente honesta.

Veredicto: 9/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0070644/

2. Persona (1966)

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Esta fue la primera colaboración de Bergman con Liv Ullmann y desde el inicio dos cosas son evidentes: 1. la fascinación del director con esta diosa de la actuación; 2. la indiscutible química que debieron tener desde el vamos para lograr trabajos tan transcendentales. Esta, además, es una de mis películas favoritas. La trama se centra en la actriz Elizabeth Vogler (Ullmann) que a pesar de parecer completamente saludable, de repente deja de pronunciar palabra alguna; esta es puesta al cuidado de una enfermera, Alma (!) (interpretada por la gran Bibi Andersson), quien la lleva a una casa de veraneo en donde pasarán todo el tiempo juntas y aisladas. El silencio de Elizabeth pronto lleva a Alma a hablar más y más y develar más y más sobre su persona, volcando su identidad entera en Elizabeth, quien absorbe todo con silencioso interés. Luego de que las revelaciones se tornan sumamente personales, hay una serie de confrontaciones y una seguidilla de montajes surrealistas y diversas imágenes de cuestionable realidad que llegan a un clímax fuera de este mundo. No me voy a adentrar en las múltiples interpretaciones que uno puede hacer sobre esta obra maestra, pero al menos quiero decir que yo me inclino por las ideas más existencialistas sobre el significado de la “identidad” y las disyuntivas entre el ser que somos y el ser que proyectamos en otros. “Persona”, después de todo, es una palabra que viene del latín que significaba “máscara”. Además del espectacular guión, este es uno de los mejores trabajos de fotografía del gran Sven Nykvist. Pero su triunfo absoluto se debe, principalmente, a sus dos excelentes protagonistas, quienes llenan casi todos los cuadros del filme en alucinantes primeros planos, y la maravillosa Liv Ullmann, que transmite todo en su rostro silencioso.

Veredicto: 10/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0060827/

1. Ansikte mot ansikte (1976)
(Cara a cara)

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La trama de esta película es de lo más bergmaniano del mundo. Esta se centra en una psiquiatra, la Dra. Jenny Isaksson (Ullmann) quien está casada con otro psiquiatra, el Dr. Tomas Jacobi (Josephson). Pero muy irónicamente (o no), la Dra. Isaksson comienza un fascinante descenso a una crisis emocional y sucumbe a la enfermedad mental. No es una de las películas más conocidas de Bergman, pero la de Ullmann es sin duda, una de las mejores actuaciones de todos los tiempos. Es un papel sumamente complejo e intenso, y debe haber consumido un montón de la actriz, que parece desgarrarse ante nuestros ojos en la pantalla. La forma en que el personaje de Ullman va perdiendo la concepción de la realidad y la película se va adentrando y más y más en su psique perturbado, exhibiéndonos sus sueños, miedos y fantasías, es igualmente brillante y devastador. Es una película completamente impulsada por su protagonista, la acompañamos en ese horrible camino hacia la demencia, y sentimos su miedo, angustia y dolor, y su dolorosa percepción sobre su propia condición. Es un tour de force como nunca ha habido en el cine. Es Liv Ullmann mostrándonos quién es Liv Ulmmann.

Veredicto: 9/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0074147/

Para su filmografía completa entren a: http://www.imdb.com/name/nm0880521/