Minireseñas: El calvario de los guardianes sobrevivientes

Guardians of the Galaxy (2014)

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Título en español: Guardianes de la galaxia

Comienzo este comentario admitiendo mi entusiasmo por las películas de superhéroes. Hay algo sobre el honor, heroísmo y el deber a gran escala conjugado con capas y disfraces que simplemente me puede, qué sé yo. Esta es otra producción de Marvel, la productora subsidiaria de Disney que recientemente lanzó las sagas de ThorCapitán América Iron Man. En este caso, la historia es un poco mas novedosa, ya que no se ha lanzado y re-lanzado múltiples veces como sucede con otras. En un universo habitado por múltiples especies intergalácticas, uno de los últimos humanos, el criminal de poca monta Peter Quill (el amoroso Chris Pratt que se polenteó muy agradablemente para convertirse en la terrible combinación de bombonazo con un gran sentido del humor) se une a otros diversos criminales para evitar que el villanísimo Ronan destruya el universo con la ayuda de una orbe misteriosa. Digo, ni que fuera tan importante la trama: siempre son la misma premisa con sutiles variaciones en los poderes y habilidades de los héroes y de los villanos y generalmente siguen la trillada seguidilla de “no-lo-vamos- a-lograr-pero-esperen-si-hacemos-esto-supremamente-heroico-y-nos-sacrificamos-por-el-bien-de-la-humanidad-aunque-no-termine-siendo-necesario-lo-lograremos. Pero eso es bastante irrelevante cuando el guión del también director James Gunn está repleto de humor para todos los gustos y cuando la banda sonora es una deliciosa playlist ochentosa con la cual el protagonista exprime la nostalgia de su infancia en la Tierra. El maquillaje, vestuario, producción de arte y efectos visuales son estelares (soy tremenda, ¿eh?) y Pratt prueba que tiene suficiente carisma para llevar una película en sus hombros, pero el resto del elenco está muy bien también. Amé especialmente a Drax con su inhabilidad para entender metáforas y me morí de amor con el árbol humanoide Groot. Por momentos se adentra en territorio demasiado dramático para el tono usualmente ligero de la película y rechina un poco, pero en general, esta película es la definición de diversión.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2015381/

Calvary (2014)

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Título en español: Calvario

Calvario no pierde tiempo en presentarnos su premisa. Comienza con nuestro Padre protagonista tomando una confesión en la que el que se confiesa lo amenaza de muerte, advirtiéndole que cumplirá con su promesa en exactamente una semana. Tranqui. En el interín de esa semana, el Padre James, interpretado por un Brendan Gleeson en un excelente despliegue de sus talentos, intenta continuar con su vida aferrándose a sus principios, a pesar de que la visita de su perturbada y emocionalmente desequilibrada hija y la exagerada variedad de problemas que tienen sus parroquianos se lo hacen muy difícil. Ambientada en un pequeño pueblo de Irlanda, es difícil creer que la reducida población de la iglesia de James pueda estar tan azotada de pecados bíblicos, pero la película no esconde su fuerte predilección por el simbolismo. El Padre es, además, un personaje fascinante, porque no tuvo una vida enteramente devota a la religión, sino que siguió un camino más tradicional y laico, constituyendo una familia, y toda la cosa, hasta que tras la muerte de su mujer decide dedicar su vida a servir a Dios y, por defecto, a la Iglesia Católica, con todo lo que ello conlleva. El hombre que lo amenaza había sido una víctima de abuso sexual de un Padre en su infancia, y quiere hacer pagar a la institución que lamentablemente va a ser representada por James. La duda se cuela por todos lados, pero James se mantiene fiel a sus creencias y se prepara para el sacrificio final. Algunas porciones del guión del escritor/director John Michael McDonagh no son tan convincentes, pero visualmente es espectacular y mantiene una atmósfera inquietante y perturbadora de principio a fin. La película fue presentada como una comedia negra, pero el humor en general fue demasiado oscuro para mi gusto, y a menudo chocaba torpemente con las escenas más trágicas del filme. Pero al final de cuentas, Calvario es una película intensa, interesante y atrapante, y en su corazón el Padre James presenta una perspectiva justa, empática y hermosa sobre la moralidad de nuestros tiempos.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2234003/

Lone Survivor (2013)

Lone Survivor

Título en español: El sobreviviente

Meh. Me gusta Mark Wahlberg y me generan una mezcla de curiosidad y desconcierto las múltiples variedades de soldados, armas, tácticas y cagadas que se manda el ejército estadounidense, pero esto terminó siendo demasiado patéticamente grandioso, tomándose todo muy en serio y fracasando en el proceso. Se trata del soldado de los SEALS Marcus Luttrell, que junto con un equipo reducido tienen la peligrosa misión de encontrar y/o matar a un poderoso líder del Talibán. Ya la vieron. La película comienza con un montaje de escenas reales de los feroces entrenamientos que debe hacer esta sector del ejército y sigue con la casi inexistente presentación de los personajes principales (además de Wahlberg haciendo de Luttrell, están Emile Hirsch, Ben Foster y Taylor Kitsch), los cuales pronto se ven en medio de su importantísima misión. Pero ni bien comienza la operación, se les presenta un dilema moral complejo: mientras intentan pasar desapercibidos al acercarse a su blanco, se topan con unos pastores y deben afrontar la difícil decisión de dejarlos ir y arriesgarse a que informen sus locaciones o matarlos cuando no hay evidencia de que sean parte del bando enemigo. No les voy a contar qué deciden, pero es una película americana sobre soldados americanos, no sé qué pretenden. Poco después, la película deviene en una locura de acción gráfica, adrenalínica y casi carente de tensión, pero muy bien producida (en particular el sonido). Como pueden adivinar por el título, hay muerte, lo que significa que también hay un desfile de escenas solemnes y despedidas que pretenden ser emocionantes pero son presentadas de forma tan exagerada que producen el efecto contrario. Y finalmente, la tercera porción de la película apunta a nuestro lado más sensible y manipulable, utilizando tretas como niños adorables y locales “buenos”. En fin, a pesar de ser basada en hechos reales, la película tiene una visión tan simplista de todo, el guión es realmente tan básico que debe estar dirigida al mismo público de la espantosa FrancotiradorEn conclusión, es exagerada en lo básico y básica en lo que realmente importa; aporta cero a la discusión de una de las guerras más fútiles en que se ha visto involucrado los Estados Unidos, pero a pesar de sí misma, tiene alguna que otra escena decentemente lograda. Mirar bajo su propio riesgo.

Veredicto: 4/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1091191/

Minireseñas: El juez de alma salvaje y violenta

A Most Violent Year (2014)

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Título en español: El año más violento

Esta película tenía el potencial para ser maravillosa, pero lamentablemente se queda medio corta. El guión del escritor/director J.C. Chandor, el mismo de El precio de la codicia, gira en torno a una temática que de nueva no tiene nada, sobre un inmigrante tratando de alcanzar el sueño americano en la violentísima Nueva York de principios de los 80 (específicamente el año 1981, estatísticamente uno de los años con mayor registro de crímenes violentos en la historia de la ciudad), mediante la expansión de su negocio de petróleo en un clima agresivo y peligroso. Pero si bien es una temática a la que estamos acostumbrados, tiene un enfoque especial que le aporta un poco de personalidad a la vez que la torna quizás un poco demasiado distante para ser completamente efectiva. En lugar de poner todo su énfasis en la trama, la película se siente más como un estudio de personajes, principalmente de su protagonista, Abel Morales, interpretado por Oscar Isaac con una quieta intensidad que es fascinante de ver, y su mujer, Anna, una Jessica Chastain efectiva en un papel un tanto desagradable. A la vez que Abel, un hombre carismático pero con convicciones fuertes, intenta comprar un terreno que contribuirá con el crecimiento de su negocio, debe manejar la epidemia de robos a sus camiones que lo están atacando por distintas partes de la ciudad. Es un territorio escabroso, lidiar con los competidores mafiosos, y con un fiscal de distrito (interpretado por quien hizo de King en Selma) que parece determinado a demandar a Morales por diversos crímenes de evasión de impuestos. Es una película rara, porque a pesar de tener una estética bastante lograda y mantener una tensión casi constante durante toda su duración, continuamente nos está transmitiendo la sensación de que en cualquier momento esa intensidad acumulada va a tener un escape, delicioso, necesario, pero esto jamás llega. Por eso, a pesar de ser un buen thriller con más de un aspecto interesante, especialmente la impecable actuación de Isaac, termina dejando gusto a poco.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2937898/

The Judge (2014)

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Título en español: El juez

Cuando uno dice “esa película es muy Hollywood”, esto es exactamente a lo que se refieren. El director David Dobkin, el que nos dio Los rompebodas, una de las pocas comedias chotas que de hecho me hicieron reír, vuelve acá con una película de un abogado exitoso (cómo les gusta a los yanquis el estereotípico abogado estrella, ¿eh?) quien vuelve a su pueblo de la infancia para el funeral de su madre y luego se ve forzado a quedarse a defender a su padre, un juez local, de una acusación bastante grave que hicieron contra él. El problema es que Hank, interpretado por el siempre carismático Robert Downey Jr., se había desentendido completamente de su familia, especialmente del juez, su padre (Robet Duvall en una actuación sensible y hermosa, que más que nada me deprimió por ver su talento desperdiciado en películas de este patético calibre) tras una pelea que tuvieron hace años. Además tiene dos hermanos, el mayor Glen (Vincent D’Onofrio), un ex-atleta estrella cuya carrera se vino en picada tras un accidente reduciéndolo a un macho simplón y Dale (Jeremy Strong), su hermano menor, quien tiene algún tipo de autismo y que requiere de alguien que le supervise la vida. Por supuesto en el pueblo no puede faltar su antigua novia (la capa de Vera Farmiga) que no solo está divina, sino que sigue soltera y dispuesta. En fin, la película, muy larga para ser básicamente una seguidilla de clichés predecibles, combina las dinámicas familiares y la re-conexión de Hank con su padre y las escenas en el juzgado, donde Hank hace alarde de sus habilidades de litigante. Las primeras son más efectivas que las segundas, si bien ambas sufren de ser considerablemente manipuladoras. Lo que la termina salvando es el siempre confiable Downey Jr., cuyo magnetismo aligera las pesadas dos horas y media, y en especial la destreza de Duvall, que es por momentos severo y rígido, y por otros vulnerable y humano, logrando una de sus mejores actuaciones de los últimos tiempos. Lástima que la estrella de El padrino trabaje ahora con material tan por debajo de sus talentos.

Veredicto: 5/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1872194/

Wild (2014)

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Título en español: Alma salvaje

La premisa de Wild es algo que en teoría me atraería como pocas: trata de una joven mujer que recorre cerca de 2.000 km a pie, mochileando la “Pacific Crest Trail”, un camino que recorre una porción del oeste de los Estados Unidos entre desiertos y montañas. Su motivación para realizar tal hazaña es de naturaleza terapéutica, tras el golpe que fue la muerte de su madre y su caída en las drogas y un estilo de vida duro como es el del heroinómano, busca la caminata como una vía de escape y como forma de purgar sus demonios. La historia de Cheryl está basada en las memorias de la Cheryl original, adaptada para la pantalla por Nick Horby y dirigida por Jean-Marc Vallée, el mismo de Dallas Buyers Club. Si bien estos no hicieron un mal trabajo -la película permanece consistentemente aceptable- no lograron nada demasiado destacable, a parte de la actuación de su protagonista Reese Witherspoon, que está muy en forma, y su madre en los flashbacks, Laura Dern, en una actuación etérea y hermosa. Me hubiera gustado ver este tipo de material en manos de un director más poético, ya que gran parte de la película la pasamos en medio de lo salvaje y la naturaleza, o al menos alguien con un poco más de introspección. Los realizadores mechan escenas de la caminata y la dura vida de Cheryl en su solitaria empresa, con escenas de Cheryl y su madre, o su dura vida en su amorío con las drogas y el “rock and roll”, que compartió a medias con su ex-marido Paul con quien continuó teniendo una relación de aceptación bastante linda. Pero el mayor problema de Alma Salvaje es justamente ese afán por mostrar todo, esa obvia manipulación por acentuar el logro físico y espiritual de Cheryl por contrastarlo con su antiguo estilo de vida. Este mecanismo no solo es cansador, sino que suena falso y superficial. Hubiera preferido prescindir de la mayoría de estas escenas, y concentrarme en la presente transformación de la que supuestamente somos testigo. Obviamente, una película como esta es enteramente predecible, pero no tenía por qué ser tan completamente superflua.

Veredicto: 5/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2305051/

Minireseñas: El orgullo de los votos de pasión

The Vow (2012)

votos de amor rachel mcadams channing tatum

Título en español: Votos de amor

Antes de leer este comentario y tomárselo demasiado a pecho, hago una declaración. Este es uno de los tipos de película que menos disfruto en general, y solo la vi porque tenía una abstinencia muy grave de Rachel McAdams (como verán más abajo, tengo un fanatismo importante). Es una comedia romántica, de estas que disfrutan de probar a la pareja feliz con un problema de salud medio grave y ver cómo se las arreglan (si es amor del real, claro). En este caso, tenemos a Leo (Channing Tatum) y Paige (McAdams): vemos cómo se conocen, cómo se encanta y cómo comienzan una vida juntos, casados y enamorados. Son un par de artistas, mentes liberales, espontáneos, llenos de vida, en fin, te venden a la pareja que todos quieren ser. Pero sucede que luego de un accidente, Paige pierde la memoria de este nuevo ser tan copado en que se había convertido, y su último recuerdo es de su vieja vida, cuando todavía vivía con sus padres súper conservadores (Sam Neill y Jessica Lange) y estaba enamorada del chetito sorete Kyle. Así que Leo se ve obligado a intentar reconquistar a su esposa, aunque esta es apenas una sombra de lo que solía ser. Esta película está hecha para llorar, pero en especial, para hacerse con un estándar del amor y de un príncipe azul incluso más irreales que las películas más fantasiosas de Disney. No hay absolutamente nada que destacar más allá de las actuaciones decentes de los involucrados, y en especial, la magia de ver a McAdams brillar en la pantalla. (Ya les dije que era fan.)

Veredicto: 3/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1606389/

Passion (2012)

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Título en español: Pasión

Ay, Brian De Palma, ay. Es el Hitchcock terraja de nuestros tiempos. Qué tipo que me produce sentimientos tan ambivalentes. Es que tiene un estilo increíble, una lenguaje cinematográfico único y personal, instantáneamente reconocible y muchas veces súper interesante, pero lamentablemente casi siempre está puesto al servicio de unos guiones paupérrimos, superficiales, ridículos y hasta insultantes. Este es el caso de Pasión, una película que gira en torno a las ambiciones de dos mujeres de negociosos que compiten por un ascenso. Una es interpretada por Rachel McAdams, aquí representando a las rubias frías que tanto le gustaban a Hitch, una mujer viciosa, psicótica y sádica. En contraposición está Noomi Rapace, algo más sumisa y manipulable en apariencia, pero oh sorpresa que el guión nos depara una dosis básica de giros de tuerca. Nótese que opté por usar los nombres de los actores directamente, porque aquí no hay personajes. Demás está decir que lo absurdo de las vueltas del guión son, en parte, intencionales. Acá se está optando por una atmósfera surreal, narradores no confiables y toda la cosa; además, todo está salpicado del más negro de los humores, pero incluso admitiendo esto, hay límites. Porque aunque De Palma quisiera hacer uno de esos thrillers eróticos y exagerados que tanto le gustan, Pasión nunca se siente lo suficientemente arriesgada: la violencia y el sexo, que podrían haber vendido el absurdo, están bastante recatados, por lo que el espectador no tiene de dónde agarrarse. Los personajes son incluso menos que caricaturas, no sabemos nada de ellos, de donde vienen ni qué los motiva; esto, sumado a la implausibilidad de la trama, resulta en un suspenso muy artificial, porque poco nos importa qué pasará. McAdams está deliciosa en el papel, Rapace increíblemente irritante, la banda sonora de Pino Donaggio es exquisita, y es, más allá de juicios de valor, sumamente interesante visualmente, pero en definitiva, es imposible verla como una buena película.

Veredicto: 4/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1829012/

Pride (2014)

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Por alguna razón, desde que comenzó esta película, no pude evitar pensar que hubiera sido un excelente musical. Hay algo tan alegre, tan dinámico en los ritmos y tiempos que maneja, y los personajes son tan coloridos y entrañables, que fácilmente habría resultado un éxito en ese medio. No me sorprendió en absoluto cuando recién, leyendo sobra la película, leí que estaba siendo adaptada para una comedia musical: ¡un éxito! De cualquier forma, Pride funciona bastante bien así como está. Se trata de la improbable unión entre un grupo de activistas de gays y lesbianas con un gremio de mineros galeses en huelga, durante la huelga nacional británica de mineros en 1984, bajo el duro mandato de Margaret Thatcher. Debido a que la Unión Nacional de Mineros no quería verse involucrada con un grupo LGTB, el grupo activista Gays y Lesbianas Apoyan a los Mineros, liderados por el joven Mark, deciden llevar sus esfuerzos al pequeño pueblo de Onllwyn en Gales, en donde un par de los locales están interpretados por actorazos como Bill Nighy, Paddy Considine e Imelda Staunton . Esto impulsa un montón de giros dramáticos en el guión que están muy interesantes. Lo más lindo, por supuesto, es ver cómo los personajes van desprendiéndose de prejuicios y uniendo fuerzas, ambos grupos unidos por el abuso, y cómo se crea un vínculo sincero entre ambas partes, y en particular, entre varios personajes. Sería difícil saber si en la vida real esto se dio tan así, pero aunque en el filme esté un tanto idealizado, no rechina tanto porque, como venía diciendo, la película en general crea una atmósfera súper festiva y no se disculpa por presentar los hechos con un tinte de romanticismo. Por otro lado, demás está decir que el guión contiene bastantes clichés: el ejemplo más claro quizás sea el homosexual extravagante que conquista a todos con sus pasos de baile (interpretado por un maravilloso Dominic West, muy alejado de su Jimmy McNulty de The Wire), pero a pesar de ser un tanto trillada, siempre se siente sincera. Hay algunos aspectos poco desarrollados del guión (la amenaza del SIDA, el arco de varios personajes, incluyendo uno de los protagonistas, Mark) que la tiran un poco abajo, pero en general, Pride es una película muy divertida, conmovedora y, en particular, hecha con mucho amor.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3169706/

The Theory of Everything (2014)

Título en español: La teoría del todo

Qué sensación extraña debe ser que decidan hacer una película sobre tu vida cuando aún te queda algo por vivirla. Las otras biopics (películas biográficas) que vi recientemente lidiaban con dos figuras célebres (Alan Turing en El código enigma y Martin Luther King en Selma) pero que ya está están fallecidas, por lo que resulta más fácil utilizarlas como inspiración para este tipo de películas dando una opinión más oficializada de las personas. En el caso de La teoría del todo, los realizadores arriesgan una opinión y una visión del ser que todavía podría ser, de alguna manera, alterada.  El objeto en cuestión se trata de Stephen Hawking, uno de los científicos más célebres del siglo XX, si no por sus dotes cientificas, al menos por alcanzar la ciencia a las masas, y especialmente por el hecho de haber logrado todo esto bajo la debilitante opresión de una terrible enfermedad. Pero aunque La teoría del todo no pueda vanagloriarse de ser la versión final de la biografía de Hawking, sí cumple con informarnos sobre una porción y sobre un aspecto en particular de su vida, y concentrándose en esto, termina siendo una película bastante decente.

Esta comienza cuando Hawking está preparando su doctorado en la universidad de Oxford. Cuando lo conocemos, es un chico un tanto excéntrico, como todos los protagonistas de estas biopics de genios, pero simpático. Se lleva bien con sus compañeros, en especial con Brian, con quien tiene una amistad estrecha, y si bien de inmediato lo vemos intentar cortejar torpemente a quien luego sería su esposa, no es un completo desastre. De hecho, la chica, Jane, ella misma una estudiante de inglés y francés, parece bastante encantada con él. De inmediato la química entre ellos se hace evidente. Esto se debe en gran parte a la excelente labor de los protagonistas: Eddie Redmayne y Felicity Jones. Pero esta conexión sería puesta a prueba demasiado rápidamente, ya que luego de presentar unos síntomas extraños y someterse a un análisis neurológico, Hawking (21 años) es diagnosticado con esclerosis lateral amiotrófica (ELA), una enfermedad degenerativa muy rara que acabaría por dejarlo casi completamente paralizado.

teoría del todo eddie redmayne felicity jones

A partir de este diagnosis, y una correspondiente crisis emocional, Stephen y Jane comienzan la ardua batalla por tener una vida plena, y por tener una vida juntos. Es realmente fascinante e inmensamente inspirador, y no necesariamente un mérito del guión, la forma en que estos dos continúan con sus vidas. Por su parte, Hawking continúa con su doctorado, logrando producir unas teorías revolucionarias mientras va progresivamente adquiriendo el renombre que tiene hoy en día. Pero lo más interesante aún, y esto sí es logro del guión, basado en el libro de la mismísima Jane Hawking, es cómo los realizadores deciden darle el foco principal a la vida personal de la pareja y al desarrollo de su relación. Este foco se mantiene consistente y es explorado adecuadamente, lo que en mi opinión la pone por arriba de El código enigma, en donde las carencias del guión en cuanto a la vida personal de Turing impiden el impacto dramático que podría haber tenido. La relación es construida progresivamente, con mucho cuidado y sensibilidad, y la película realmente logra transmitir un sentimiento bello y puro, a pesar de que (y esto no es un spoiler porque es la vida real) ellos no tuvieran un final feliz juntos. Y es que no se trata de esto; insisto, el gran logro del filme es lograr que nos encariñemos con una pareja hermosa y que igualmente podamos empatizar cuando esta finalmente se desmorona.

De cualquier forma, aunque cuentes con el guión más trascendente y el director más competente, sería imposible lograr esa conexión con el espectador sin actores sensibles y valientes, y esta película no contará exactamente con lo primero, pero sí puede depender completamente de lo segundo. Felicity Jones en el papel de Jane es conmovedora y hermosa, es extremadamente fácil ponernos en su lugar porque tiene una apertura total; es una excelente actuación que espero que le brinde nuevas oportunidades. Pero por supuesto aquí la estrella es Redmayne. Admito que antes de verla sentía una cierta aprensión por el papel, me parecía una treta tan evidente para hacerse con un nombre y alguna estatuilla, un papel tan burdamente ostentoso. Pero Redmayne está completamente desprovisto de pretensiones. Habita el rol con una entrega total. Más allá de los requerimientos físicos que exige el papel, que son muchos, su expresividad y su rango emocional son abrumadores. No puedo describir la felicidad que me provocaba cuando Hawking hacía una de sus incontables bromas y esto se manifestaba en las cejas arqueadas de Redmayne, el resto de su cuerpo completamente paralizado por la enfermedad. Es una actuación brillante, y si se lleva todos los premios, nadie podría quejarse.

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En conclusión, la película de James Marsh (el director que nos dio el delicioso documental Man on Wire) no pasará a la historia como un hito fílmico. Está bellamente fotografiada, pero no destaca por sobre la estética que suelen elegir este tipo de películas biográficas, es linda, pero demasiado sentimentalista. Lo mismo puedo decir de la banda sonora de Jóhann Jóhannsson, aunque para ser franca, ambas están puestas al servicio de un guión que apela más a nuestro lado emocional, así es que quizás culparía al director por estas tendencias tan cursis. Los actores secundarios (que incluye a la genia de Emily Watson) hacen su trabajo, pero sus papeles están poco desarrollados. Y en definitiva, la película se siente como que podría haber sido más, pero estaba satisfecha con no arriesgarse demasiado. Se presentaba una temática interesantísima para ahondar en manos de un mejor escritor; la manera en que la fortaleza de uno mismo, y en especial, la manera en que la unión de las parejas es puesta a prueba por este tipo de enfermedades. El tema se trata hasta ahí, nos deja con gusto a poco. Pero afortunadamente, Redmayne y Jones ponen más de lo que les exige el guión y así es como el filme logra, si bien efímeramente, una conexión con el espectador.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2980516/

Selma (2014)

Título en español: Selma 

Cada año podemos contar con que Hollywood producirá una película que gire en torno a los derechos de los afroamericanos, comenzando en la época de la esclavitud y llegando hasta la revolución por los derechos civiles en los 60s. Ofensores previos incluyen a 12 años de esclavitud (2013), Lincoln (2012) y The Help (2011), todas concentrándose en aspectos distintos de una misma temática. Si bien a esta altura estamos acostumbrados a estos patéticos intentos de hacerse con la mayor cantidad de premios de la temporada, no necesariamente se reducen a producciones sin ningún tipo de mérito artístico. En el caso de Selma, admito que superó un poco las inexistentes expectativas que tenía, y aunque no me pareció una de las mejores películas del año, sí logró capturar mi atención con este tema tan reciclado y, además, logró destacarse en algún que otro aspecto.

SELMA película martin luther

El título hace referencia al pequeño pueblo en el estado de Alabama, seleccionado como uno de los campos de batalla desde donde impulsar el movimiento en pos de los derechos de los afroamericanos, liderados por Martin Luther King. La película registra la operación completa, la instalación de los miembros de la campaña en el pueblo, la preparación de las primeras manifestaciones pacíficas y en especial la organización de una marcha desde Selma hasta Montgomery, para protestar por el derecho al voto. La distancia entre estos dos pueblos es de casi 87 km, y llevó a los protestantes 5 días en concretarse, una vez que obtuvieron el pasaje libre, claro. Esto, por supuesto, es algo absolutamente poderoso y extraordinario, pero por alguna razón, no tiene demasiado impacto en la película; en general, encontré muchos problemas con el pasaje del tiempo y la forma en que está editada, por momentos es un poco lenta, pero por otro lado, no logra transmitir una sensación temporal real. Eso; o quizás simplemente quiero decir que por momentos es un tanto aburrida.

El guión hace un trabajo decente de intercalar momentos de la vida personal de King, en especial la relación de este con su mujer, interpretada por una excelente Carmen Egojo, y las diversas instancias relacionadas con su lucha por una legislación más justa, que demuestran el hábil estratega que era. Estos incluyen conversaciones con otros miembros de su equipo, manifestaciones con diversos grados de éxito y violencia, y lo que es incluso más interesante, al menos desde el punto de vista histórico, sus encuentros con el entonces presidente de los Estados Unidos: Lyndon Johnson. Este último, interpretado adecuadamente por Tom Wilkinson, es el blanco de un gran número de críticas. Esto se debe a que los realizadores decidieron representarlo como una figura que parecía bastante reticente a las reformas propuestas por King, e históricamente, se lo conoce como un ferviente impulsor de los derechos civiles, si bien se acepta que se debía en gran parte a la influencia del Dr. King. Controversias de lado, el juego de poder y las diplomacias (y no tan diplomacias) políticas entre el presidente, King, y el gobernador de Alabama George Wallace, interpretado por un horripilante y excelente Tim Roth, son lo que encontré más interesante de la película.

El resto es mucho de lo que ya vimos otras veces. Escenas deprimentes, conmovedoras e indignantes, y por qué no con un pequeño toque manipulador de la directora Ava DuVernay, aunque admito que hizo un gran trabajo en cuanto a resistirse en caer en el melodrama. No se confundan, hay melodrama: a esta altura es inevitable tocar ciertos temas (¡te estoy mirando a vos, Holocausto!) sin caer en tonos sentimentalistas, pero DuVernay hace, en general, un trabajo digno, y no voy a decir que no logró afectarme en más de una ocasión, y arrancar unas lágrimas acompañadas de gritos y puñetazos que manifiesten la injusticia de lo que estaba presenciando. Y por supuesto, resta mencionar los discursos. Así, en teoría, es tentador pensar en los discursos como carnada fresca para la manipulación emocional, pero de hecho, están extremadamente bien logrados. Esto se debe a un gran trabajo de DuVernay, que además tuvo que reescribirlos (¡reescribir a Martin Luther King!) porque los derechos de los originales los compró otro estudio, y que confió en el poder de la magnífica interpretación del actor británico David Oyelowo, cuya inmensa presencia y elocución eran todo y más de lo necesario para lograr excelentes momentos. De hecho, Oyelowo, un candidato improbable para interpretar a esta importantísima figura histórica, termina elevando el material en más de una escena, contribuyendo a formar una película un poquito mejor de lo que dictaría el guión.

SELMA película martin luther king

En conclusión, Selma es difícil de concluir. Tiene muchas cosas buenas y otras tantas más mediocres, pero creo que casi todos sus defectos se originan en el hecho de que es un tema tan delicado para tanta gente, que es imposible hacer demasiado sin ofender, y, por otro lado, hacer demasiado poco tampoco le rinde justicia. Por lo tanto, termina siendo una interesante mezcla de los diversos aspectos de la revolución, centrados en la magnética actuación de Oyeowo, pero que teme ensuciarse demasiado. Los villanos son convenientemente algo caricaturescos, la marcha en sí no parece lo suficientemente cruenta, los momentos que podrían afectar son embadurnados de una música melosa y sensiblera que le resta solemnidad, y todo culmina de la única manera en que puede culminar algo así, sin demasiadas sorpresas. Claro que la historia ya existe, ya está escrita, ¿con qué nos podrían sorprender? Y… quizás hubiera sido más interesante que como King, DuVernay se ensuciara un poco, se arriegara otro tanto y nos diera algo tan memorable como el personaje que retrata. En fin, los Oscars, como era de esperar, picaron.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1020072/

Minireseñas: El enigmático gran hotel lego

The Lego Movie (2014)

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Título en español: La gran aventura Lego

No le tenía NADA de fe a esta película. Cuando Hollywood se decide adaptar para el cine cosas totalmente random de la vida, como por ejemplo el juego de Legos, mi escepticismo crece de manera exponencial. Pero esta fue una muy grata sorpresa. Lo que hace la película es tomar la premisa que hace interesante al juego de ladrillos, y armar una historia alrededor de esto. Con la premisa me refiero a la creatividad, al set claro de instrucciones que están asociadas al juego y que consiste en las no instrucciones, en el no solo permitir, sino también festejar el espíritu creativo y la invención del usuario. La película primero nos presenta un mundo orwelliano donde todo está en su lugar, todas las construcciones son estandarizadas, y todos los mini legos que habitan este rígido mundo gustan de la misma música, miran el mismo programa de televisión, se visten igual, hacen las mismas cosas, en fin, no tienen nada de especial. Pero Emmet, nuestro ordinario protagonista, se ve de repente involucrado en un plan rebelde en contra del President Business y pasan a tildarlo de “el elegido” y la “persona más extraordinaria del mundo”, algo que por supuesto lo toma completamente por sorpresa. Al principio, ni Emmet, ni la gran mayoría de los legos rebeldes creen en su potencial (que se mide en ingenio y poder inventivo), pero poco a poco irá liberando su imaginación y destapando capacidades que tenía reprimidas. Hacia el final la trama toma un giro inesperado e interesante y para los más chicos (y por qué no para mí también) deja un mensaje realmente valioso. Pero el filme además triunfa en sus increíbles efectos visuales, en los grandes talentos de voz que van a apareciendo y logran desesperarnos al tratar de ubicar quiénes son (está desde Morgan Freeman hasta Charlie Day), en su consistente sentido del humor y en especial en la sarta de variados personajes de la cultura pop que nos acompañan en la aventura (¿quién hubiera dicho que Batman y Han Solo co-existirían en una misma película?). Ah, y cómo olvidar el excelente hit que es Everything Is Awesome (cliqueen bajo su propio riesgo, es súper pegadiza).

Veredicto:
7/10

The Imitation Game (2014)

THE IMITATION GAME

Título en español: El código enigma

Otra temporada de premios, otro grupito de biopics de personas de variados niveles de fama que fueron importantes para la historia de la humanidad, pero más que nada, que presentan excelentes oportunidades para que las productoras hollywoodenses (ejem, la Weinstein Company, ejem) se hagan con un par de Oscars. Este año hubo varias, entre ellas esta historia del matemático Alan Turing, el hombre que junto a su equipo de criptólogos y expertos, logra descifrar el código nazi contribuyendo a su derrota en la segunda guerra mundial. Alan es interpretado por el brillante Benedict Cumberbatch, un personaje fascinante que lamentablemente es decepcionado por su material, ya que el guión no parece decidirse sobre qué imagen transmitir del genio matemático. Porque además de ser el prototípico nerd antisocial con un montón de excentricidades personales, Turing era homosexual en una época complicada de la historia del Reino Unido. En la película vemos superficialmente cómo esto le provoca varios pesares, pero los realizadores nunca se aventuran a explorarlo con detenimiento, por lo que su impacto dramático es limitado. El resto del elenco tiene incluso menos que hacer, e incluye a una Keira Knightley interpretando al único personaje femenino de la película, que está tan poco desarrollado que no me doy cuenta si lo forzaron para que no les caigan críticas de no-inclusión o si el guionista no supo cómo escribir mujeres y Tywin Lannister, quiero decir Charles Dance haciendo de Tywin Lannister en la Inglaterra de los años 40.  Aparte de la actuación de Cumberbatch, no encuentro nada que destacar, es un guión poco arriesgado, dirigido decentemente pero con mínimo entendimiento de cosas triviales como, no sé, el suspenso o la intriga, musicalizado por un Desplat desmotivado y fotografiado en tonos sepias para vendernos la época. En fin, es suficientemente interesante pero enteramente olvidable, y solo vale la pena por la actuación sentida e inteligente de Cumberbatch, que logra elevar el material, aunque sea apenas.

Veredicto: 6/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2084970/

The Grand Budapest Hotel (2014)

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Título en español: El gran hotel Budapest

El rey del copia+pega volvió con otra producción especializada en la simetría y en acaparar la mayor cantidad de celebridades posibles desde las épocas de Ocean’s 11. Esta vez Wes Anderson nos transporta a una tierra ficcional en una época ficcional, que se parece mucho a la Europa del este de la entre-guerra, y nos presenta a la dupla de personajes que protagonizarán esta película: Gustave (Ralph Fiennes), el conserje de un prestigioso hotel localizado por la vuelta, y Zero Moustafa, el chico del hall que se convertirá en su aprendiz y mejor amigo. Juntos vivirán una serie de aventuras que a algunos les resultarán divertidas, pero que son mayoritariamente olvidables, a no ser por un par de secuencias que destacan por su inventiva. La trama es a la vez intricada y superficial, puesto que es dinámica y ágil, pero no ahonda lo suficiente en ninguna temática como para conmover ni al intelecto ni al sentimiento. Por otro lado, Anderson parece tener una visión cada vez más clara de lo que quiere hacer e imbuye al filme de la más recalcitrante andersonidad. Todo desde la fotografía, la música, las actuaciones de los actores (que parecen estar limitadísimos de sus propios aportes al personaje), el sentido del humor, los efectos visuales y la excelente labor de dirección del arte; todo está ultra dirigido y micro manejado hasta alcanzar la mayor andersonidad posible. Y esto solo puede resultar en una cosa: o te gusta lo andersoniano o no. Yo, por mi lado, respeto que tenga una visión, y admiro su elegancia visual, pero no es mi tipo de cine. Es puro artificio y afectación; no hay nada visceral, ni profundo, ni áspero, ni sucio, no hay nada humano. Y esto no es un juicio de valor en contra, es solo admitirme que si bien me entretuvo lo justo y despertó algunas apreciaciones positivas en mí, en particular la gran actuación de Fiennes,  la película en conjunto es un gran “no es mi estilo”.

Veredicto: 6/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2278388/

Under the Skin (2013)

Advertencia: con una película como esta, me cuesta determinar qué es bien un “spoiler“, si bien no hay nada que podría considerarse un spoiler grosero, quizás en esta reseña me adentro un poco más en el detalle que de costumbre.

Título en español: Bajo la piel

Los que conocen el trabajo del director Jonathan Glazer, el realizador de la extrañísima Birth con Nicole Kidman y el hombre detrás de videos como el Virtual Insanity de Jamiroquai o el Karma Police de Radiohead, sabrán ya que es un tipo con una visión súper personal y altamente desarrollada. Pero para los que no están familiarizados con su trabajo, este hecho se torna una obviedad ni bien comenzado el filme, ya que el principio es un montaje de bizarreada variada, un juego de luces de algo que parece ser la creación de un ojo humano, acompañado de una banda sonora inquietante y perturbadora; una serie de imágenes de una estética cuidada, futurista y elegante, y que nos dan alguna pauta de lo que vendrá a continuación. Esto me recordó casi inmediatamente a Persona de Ingmar Bergman, la cual también comienza con un intrigante montaje y que, si se quiere, tiene alguna que otra cosa en común con el filme de Glazer.

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La primera secuencia de la que nos podemos agarrar para ir armando una narrativa es la de una Scarlett Johansson desnuda haciéndose con la ropa de una mujer que yace muerta o inconsciente en un espacio vacío, completamente blanco. Una vez en “personaje”, la mujer interpretada por Johansson, que es presentada en los créditos simplemente como “la hembra”, comienza lo que veremos reiteradas veces en el correr de la película: la caza. Manejando una camioneta grande por las calles de Escocia, la hembra está al acecho de una víctima masculina. Su modus operandi es el siguiente: escanea la ciudad por hombres que parezcan estar solos y sin ningún compromiso inmediato y fingiendo ignorancia, les pide direcciones; durante el breve intercambio de palabras, ella con un acento británico más cuidado, ellos con un escocés cerradísimo, los invita a subirse a la camioneta y alcanzarlos a algún lugar. A ellos no les lleva demasiado tiempo dejarse seducir por la belleza avasallante de Johansson, y a su vez, ella no pierde tiempo en entrar en un juego de flirteo que rápidamente culmina en ir juntos a su guarida. Una vez allí, se da el fallido ritual de apareamiento; al menos fallido para la pobre víctima, que al avanzar hacia la hermosa mujer, ignorando el espacio que los rodea, de una negrura total, ambos quitándose sendas prendas de ropa, se va sumergiendo cada vez más en la oscura espesura, mientras que la otra pareciera caminar sobre esta sin ser afectada, satisfecha de haber cumplido con su objetivo.

Toda esta secuencia de caza es reiterada varias veces, tornándose un tanto repetitiva. Una nota interesante es que al parecer las víctimas de Johansson no son actores, sino hombres comunes y corrientes deambulando las calles de Escocia, a los que primero se filmó a escondidas, y luego se les revelaba que era parte de una película. De hecho estas escenas tienen una cierta autenticidad muy interesante, a pesar de la torpeza con la que interactúa la hembra, y esta espontaneidad refuerza un punto que suena muy fuerte en el filme: la rapidez con que estos hombres caen en las garras de esta especie de sirena alienígena. Inspirada quizás en las historias folclóricas de la región, algunas que refieren a seres como las selkies o más directamente la figura de la sirena (ese híbrido de mujer con criatura de mar que seducía a los marinos solitarios), sobre las que en Escocia se cuenta, por ejemplo, que si un hombre se llegase a enamorar de una de estas, ella lo arrastraría hasta las profundidades para siempre. Pero más allá de estas figuras de inspiración, la criatura que aparece en el filme de Glazer es claramente extra-terrestre. Allí sumergidos, el contenido de los cuerpos parece ser succionado, quizás con fines de estudio y análisis, dejando atrás nada más que la piel. Todo el ritual parece ser o bien una obligación o una necesidad para la hembra. De hecho, parece tener una especie de supervisor, un hombre que anda en moto y que parece reparar los errores de la hembra; un personaje que resulta incluso más ambiguo que ella.

Haciendo buen uso de su característica inexpresividad, Johansson se pasea por la película con una mirada vacía y con extremo desapego, mientras que el director nos alimenta de pistas que refuercen su falta de humanidad y completa apatía por todo lo que la rodea. Una vez establecido esto, el guión toma un giro que se manifiesta en un quiebre en la modalidad robótica del alien seductor y comienzan a colarse algunos sentimientos y sensaciones que la dejan completamente desconcertada y necesitada de ayuda. Aquí aparece un buen samaritano que, convenientemente, no tiene preguntas ni actúa de una manera que sea coherente con cualquier persona común y corriente, pero que la acompaña con increíble empatía. Es aquí que el guión comienza a hacer un poco de agua y el intento de los realizadores por hacer un comentario sobre nuestra terrible “sociedad” se siente un poco artificial y tosco: en mi opinión, el filme funciona mucho mejor en un nivel más superficial.

He's excited about his part in the film

Bajo la piel, una producción que llevó 10 años en realizarse, es una película que le hace justicia a su medio. Sus mejores logros son en cuanto a lo estético y lo visual. La fotografía de Daniel Landin es hermosamente evocadora cuando retrata los paisajes escoses y elegancia pura cuando nos adentra en los espacios más alienígenas; alterna entre ángulos de cámara que nos hacen sentir invasores a nosotros mismos y unos primeros planos intensísimos del rostro de Johansson. Es un trabajo inspirado y magistral, y es lo que hace a Bajo la piel una película que tiene que ser vista. Además, está musicalizada a la perfección por la novata Mica Levi, quien mezcla una electrónica experimental con un juego de vientos perturbador y memorable. Por otro lado, el guión, casi carente de diálogos, apunta a por algo más ambiguo y esotérico, completamente desprovisto de exposición. Esta oscuridad, sin embargo, además de fomentar una interesante atmósfera de desconcierto, parece querer esconder baches y conceptos que no sabría cómo manejar más abiertamente, taladrándonos con simbolismos cansados. A pesar de estos desperfectos que denotan cierta inseguridad en el material de origen, la película le tiene una fe ciega a su lenguaje visual y es en este ámbito que el filme es realmente un triunfo.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1441395/