Minireseñas: St. Vincent: el rompenieves del bosque

Snowpiercer (2013)

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Título en español: Rompenieves

Bueno, ¿qué acabo de ver? Digo, realmente no lo sé. ¿Fue horrible? Y no, en realidad fue algo entretenida, pero tiene un estilo tan disperso y desparejo que cuando terminó, quedé completamente anonadada. La premisa ya es bastante bizarra, se trata de una sociedad post-apocalíptica en donde todo lo que resta de la humanidad vive en un gran tren (sí, tren) autosustentable que da la vuelta al mundo una vez por año, recorriendo un planeta completamente cubierto de nieve. El tren, como suele ser el caso, está divido por clase social, en donde los pobres se acumulan en la parte de atrás, liderados por el viejo sabio (John Hurt), su heredero revolucionario Curtis (el todo-americano Chris Evans) y su compinche irlandés Edgar (Jamie Bell). Juntos planean una rebelión contra las clases altas, lideradas a su vez por el presidente de todo el resto del mundo y creador del tren, Wilford (Ed Harris); ni bien comenzado el filme, los revolucionarios secuestran a la mensajera de las clases altas, Mason (Tilda Swinton en una demencia de papel), quien los lleva por un tour de los vagones del tren (que culminaría en el primero habitado por “la máquina” y Wilford) que es la parte más divertida, inventiva y visualmente extraordinaria de la película. Adaptándose a las formas del tren, los vagones ofician de todo tipo de cosas (pasando desde un acuario hasta un boliche lleno de millonarios bailando de estupefacientes bizarros). La película fue escrita y dirigida por el surcoreano Joon-ho Bong (adaptada de la novela gráfica Le Transperceneig), lo cual quizás explique la disparidad de simbolismos y estilos. Pero además de esta mezcla estilística bizarra, la película sufre por los millones de agujeros a nivel de guión, y se cree mucho más inteligente de lo que realmente es, lo cual la hace doblemente ridícula. La dirección de arte es fantástica y se nota que fue hecha con muchas ganas, pero es imposible mirarla sin gritar cada 5 minutos un gran “¡qué divague!”

Veredicto: 5/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1706620/

St. Vincent (2014)

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Título en español: St. Vincent: un vecino de otro mundo (?)

Esta es la típica comedia indie conmovedora de la temporada, protagonizada por un actor reconocido abriéndole el paso a un escritor/director novato (Theodore Melfi).  Y como suele ser el caso, es decente, honesta y perdonablemente poco creativa. La película gira en torno a la amistad improbable (aunque no tan improbable en el mundo del cine) entre un niño de una sensibilidad y empatía adulta, Oliver, y su vecino gruñón, cínico pero querible, Vincent (interpretado por Bill Murray con toneladas de personalidad). Creo que podría dejar el comentario por ahí, y ya tendrían lo necesario para evaluar de qué se trata, pero voy a agregar que tienen a Melissa McCarthy como la madre recién divorciada y mudada del niño, en una papel más sensible que cómico, y a la genia de Naomi Watts haciendo de la amiga prostituta rusa de Vincent en una papel que demuestra sus dotes para la comedia. Esperen montajes de Oliver y Vincent haciendo cosas gracias e inapropiadas para niños, pero aprendiendo lecciones de vida, un subidón dramático vinculado con un par de tramas secundarias que lidian con apuestas y con la mujer de Vincent, que terminan de darle un poco más de “humanidad” y “profundidad” al personaje, un quiebre en el arco dramático y un final para enternecer nuestros corazones. Si notan un poco de cinismo en este comentario, es solo porque la fórmula está tan usada que exaspera de a ratos, pero la película es a menudo tierna, divertida y muy bien actuada, y a Murray lo disfruté en este papel como hacía años no me pasaba.

Veredicto: 6/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2170593/
Into the Woods (2014)

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Título en español: En el bosque

Ah bueno. Ya he hablado de alguna película bastante mala, pero nada a este nivel. Me parece un insulto hasta incluirla en mi blog porque no la quiero ni llamar una película. Este desperdicio de celuloide, basado en el musical de Sondheim, es una afronta a todo lo bello y profundo del séptimo arte. El guión, que está divido en dos actos con extremada torpeza, trata de un panadero y su mujer (Emily Blunt, lo único que me salvó la cabeza), víctimas de la maldición de un bruja (Meryl Streep: intentó hacer algo divertido, pero es todo tan desastroso que no sé qué decir) que les impide tener un hijo. Para romper la maldición y cumplir con su sueño, tienen que robar un ítem característico de distintos personajes de los cuentos tradicionales recogidos por los hermanos Grimm (la Cenicienta [dicho así con el artículo recién me sonó re terraja]; Jack, el de las habichuelas; Caperucita Roja y Rapunzel). Todos estos personajes tienen sus tramas secundarias y todos se encuentran en el bosque, que está tan pero tan mal hecho que parece una puesta en escena de una obra de secundaria. Lo inmensamente frustrante del guión es lo pésimo que están conectadas estas historias y lo anticlimático de la culminación de esta primera historia; sí, porque una vez que se resuelve esta trama, el segundo acto da comienzo a otra completamente diferente y si poco me importaba la resolución de la primera, imagínense la segunda. Hay un sinfín de actores conocidos y no tan conocidos que hacen una aparición en esta bazofia de Rob Marshall (quien nos dio la gema que es Chicago), cantando una canción que suena igual a la otra canción que cantó el otro y que sonará igual a la siguiente: ¿dónde se vio un musical con tanta pobreza melódica? Ninguna canción es memorable, pegadiza, divertida ni interesante. Son insoportables. Los personajes son irritantes a pesar de que la mayoría de los actores realmente hace un esfuerzo. Para terminar, el final es tan deprimente y gris, y la película en general absorbió tanto de mi energía que realmente no se la podría recomendar ni a mi peor enemigo.

Veredicto: 2/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2180411/

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Ida (2013)

Ida es una de esas películas que de inmediato me llamó la atención por su innovación. Hoy en día es difícil sentarse a ver una película y quedar realmente impresionado frente a un concepto novedoso en técnica o estilo, así es que cuando sucede, nos fuerza a erguirnos en el asiento y tomar nota sobre lo que estamos mirando. Con esto no quiero decir que el cine de actualidad esté estancado, porque no lo pienso así; de hecho, así como aprecio estos pequeños momentos de innovación, también disfruto muchísimo de la personalización y el buen uso de las fórmulas establecidas. Quizás otros más cínicos no lo vean así, pero yo dejo el cinismo a los críticos más serios. En fin, supongo que con todo este preámbulo se están haciendo la idea de que esta es la nueva Citizen Kane, y tampoco es tan así, pero sí aportó lo suyo en cuanto a novedad, y por esto y otras cosas, la aprecié mucho.

Fue dirigida por el director polaco Pawel Pawlikowski, quien me sorprendió sobremanera descubrir que es el hombre detrás de Mi verano de amor, aquella película de lesbianas con Emily Blunt que había empezado tan bien, pero que hacia el final derivaba en un melodrama histriónico y exagerado; esta, por el contrario, es un ejercicio en sutileza. Empezando por una bellísima fotografía en blanco y negro, filmada en un digital tan agradable que nos remite a los mejores ejemplos en 35 mm de la nueva era francesa; salvo que en este caso, los creadores optaron por un formato de 4:3 (el cuadrado), una decisión bastante inusual para nuestra época, pero que extrañamente funciona muy bien, ya que le aporta un grado de intimidad a la historia que se corresponde con el tono general del filme. El guión trata de una huérfana novicia en la Polonia de los años 60, quien es prácticamente forzada a visitar a su último pariente vivo antes de tomar los votos. Esta es su tía Wanda, una jueza alcohólica de esas que bajo la fiesta y los vicios esconden una tristeza insondable, y quien le informa de sus raíces judías. Juntas emprenden una especie de road trip en el cual buscan descubrir qué pasó con sus familiares durante la ocupación nazi, pero que termina ahondando en un existencialismo más puro al develar más sobre sus propias identidades.

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Pese a que la película se llama Ida, el nombre de la joven novicia, interpretada por la primeriza Agata Trzebuchowska, este es el show de la tía Wanda, cuya actriz casualmente también se llama Agata: Agata Kulesza. El contraste entre estas dos mujeres le aporta una dinámica fascinante al guión: donde una es tímida y recatada, la otra es ruidosa y ostentosa. Pero a medida que Ida va pasando tiempo con su tía, y detrás del trasfondo de “la búsqueda”, parece ir cultivando una curiosidad por los placeres más mundanos de la vida, que se ve materializada en un saxofonista con cara de bueno que conocen en el camino. Esto, naturalmente, pone en tela de juicio su espiritualidad y el destino que hace tan poco aceptaba sin prejuicio. Wanda, por otro lado, tiene un arco inmensamente más interesante, el cual no voy a discutir aquí porque ahí sí estaría entrando en territorio de spoilers, pero basta decir con que es fascinante ver como su personaje va deshaciéndose de sus capas y revelándonos más y más de su naturaleza torturada y de su oscuro pasado.

Pero todavía no me he referido a lo que venía diciendo al principio sobre la innovación; lo que quiero señalar en particular es el inusual encuadre que tienen muchas de las escenas de la película. Los realizadores optan por planos que cortan las partes inferiores de las escenas, a menudo seccionando rostros o pies, lo cual provoca, mínimo, una sensación de alerta y renovada atención. Es algo similar a lo que sucedía en la película griega Kynodontas, por ejemplo. Podría teorizarse qué querrían comunicar con estas excentricidades, especialmente porque al haber optado por una relación de aspecto de 4:3 también podría decirse que están cortando los costados, lo que la hace una estética sumamente pensada, pero yo solo puedo decirles lo que a mí me provoco, y esto fue sencillamente tanto una sensación de aislamiento como de nimiedad, de insignificancia; como si esto fuera apenas una pequeñez en la gran perspectiva de las cosas, especialmente cuando los personajes están contrapuestos con los enormes e imponentes edificios que los rodean. El aspecto cuadrado de las imágenes, además, le aporta una calidad de foto instantánea a cada fotograma, y es que la composición e iluminación de cada imagen es de una belleza impresionante.

ida-película polaca

En conclusión, Ida es una película lenta y deliberada, de escasos diálogos y atmósfera austera. Lidia con temáticas fuertes y emocionalmente cargadas, pero lo hace sin sentimentalismos baratos, o tal vez los transmita, de vez en cuando, a través de una bellísima composición de John Coltrane. Quizás haya algunos giros del guión que me dejaron un poco indiferente, pero son los menos, y cuando esto sucede, las deslumbrantes imágenes de la Polonia rural post-guerra y las nieves invernales que decoran algunas escenas logran mantener la atención. Por último, las actuaciones de las dos protagonistas, tan diferentes entre sí, pero tan convincentes y efectivas ambas, son absolutamente integrales para el éxito del filme. En especial vuelvo a destacar la actuación de Kulesza, que me recordó un poco a la Gena Rowlands de Cassavetes, en su entrega primitiva y brutal: es intensa y cruelmente desgarradora, merecedora de los mayores elogios. Aunque sería fantasioso pensar que Kulesza podría entrar en carrera para las premiaciones de este año, la película en sí es una de las principales candidatas para hacerse con los premios a Mejor Película Extranjera, y la verdad, sería una ganadora merecedora.

Veredicto: 8/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2718492/

Minireseñas: Solo Frank perdona al mañana

Only God Forgives (2013)

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Título en español: Solo Dios perdona

Ah, pero qué película de mierda. Perdón, pero me tenía que desahogar. Es que yo me considero una persona bastante paciente, tolerante y abierta, especialmente sobre lo que concierne al mundo del cine, que amo, pero esto desafió todas mis mejores cualidades, y eso que apenas dura los básicos 90 minutos. La película sigue a un narcotraficante en Bangkok (Ryan Gosling en una actuación robótica y desalmada; culpa del personaje, seguramente, pero imperdonable) cuya patética existencia se ve afectada por las acciones desagradables de su hermano mayor al que se ve obligado a vengar, incitado por su madre, una especie de Lady Macbeth del subdesarrollo, interpretada con bastante coraje y eroticismo por Kristin Scott Thomas. Pero esta búsqueda de venganza se ve antagonizada por la figura pseudo-divina del policía local Chang (Vithaya Pansringarm), quien parece impartir su propia justicia personal y ser a la vez omnipresente e invencible. No puedo explicarles lo poco que me importaba el éxito o fracaso de esta empresa. Podría rescatar la fotografía de colores vibrantes y luces de neón, que aportaron una estética interesante, pero más allá de eso sufre en todos los aspectos. Ningún personaje posee ningún dejo de humanidad; los diálogos son risibles y la violencia sobre-estilizada. Lo que le sucedió a Winding Refn (quien había hecho un excelente trabajo en la reciente Drive, también con Gosling -¿qué les pasará a este tipo de directores copaditos que se obsesionan con un actor en particular, no?) es que está demasiado dirigida, y esto en tope de un guión fino como hoja de papel, hacen que la cosa se parezca muchísimo a la nada. Estilo sobre sustancia de la peor calaña, porque no tiene ni corazón, ni autenticidad. 

Veredicto: 3/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1602613/

Frank (2014)

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Difícil comenzar a hablar de esta película sin referirme al “truco” que emplea durante su duración entera, y es que gira en torno a un personaje, Frank, que lleva puesta una gran cabeza caricaturesca encima de la propia y nunca, nunca, se la quita. Frank es el líder de una banda experimental y excéntrica, a la que nuestro personaje principal (Domhnall Gleeson, quien me cayó muy mal), el del punto de vista, se une para remplazar a su último tecladista. Frank es un personaje sumamente intrigante, más allá del artificio de la cabeza, es completamente auténtico e irónicamente, parece totalmente libre de artificialidades. Jon, un muchachito fastidioso obstinado con alcanzar la fama, es nuestra entrada a esta banda de dementes casi entrañables (a excepción del personaje de Maggie Gyllenhaal que es bastante mala onda, si bien es la que posee la mejor relación con Frank) y junto con él vamos explorando el universo del creativo y sus procesos, que oscilan entre lo penoso y lo divertido. Siento que en algún momento la película me pierde, o es que desde el principio sentí muchísimo rechazo por Jon, pero me terminó dejando un sabor muy amargo. Hay algún comentario interesante sobre la naturaleza de la creatividad y lo doloroso que es mantenerse por fuera; también se comenta sobre la comercialización y bastardización del arte por atraerlo a las masas, de formas menos efectivas y considerablemente más trilladas; y por último, hay una gran presencia mediática y una integración con las redes que se me hacía por momentos efectiva y por otros artificial. En general sufre de un tono que oscila torpemente entre lo cómico y lo dramático y no se decide por ninguno, dejando todo muy medio pelo. Pero el personaje de Frank, interpretado con entrega y vulnerabilidad por uno de mis actores favoritos del momento, Michael Fassbender, hace que valga un poco la pena: es una actuación que se mide en entonaciones de voz y lenguaje corporal y es un gran triunfo.

Veredicto: 5/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1605717/

Edge of Tomorrow (2014)

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Título en español: Al filo del mañana (voto que “filo” es una de las palabras más utilizadas para traducciones paupérrimas de títulos de películas)

¿Soy yo que estuve muy perdida o esta película pasó casi completamente desapercibida por estos lados? Como sea, si así fue, fue inmerecido, ya que para tratarse de un híbrido de ciencia ficción y acción protagonizada por Tom Cruise, es bastante buena. La película sigue a Cage, un oficial careta que jamás pisó un campo de batalla pero que es rápidamente forzado a participar de una misión suicida en una batalla contra una raza alienígena inteligente que tiene la capacidad de resetear los días y por ende, conocer el futuro. Por esas cosas de la vida, Cage adquiere esta misma capacidad de “manos” del enemigo, lo que da comienzo a una especie de Groundhog Day (Hechizo de tiempo) de anfetaminas. La película no pierde tiempo con prólogos ni preámbulos sino que salta directamente al meollo del asunto, que es lograr una combinación de acciones para ese día que le otorgue la victoria a la raza humana. Hace tiempo que no veía a Cruise en una actuación tan disfrutable, y esto se debe, principalmente, a que su personaje comienza siendo completamente inútil como héroe de acción, lo que nos presenta con incontables oportunidades para el humor que son bien aprovechadas. Acompañándolo en este viaje está Emily Blunt (muy diosa), una oficial experimentada y que está familiarizada con las circunstancias particulares del reseteo y con quien entrena, planifica, lucha, y por qué no, flirtea un poco también. Desde el punto de vista de la acción es casi agotadora, tiene un paso adrenalínico (que no llega a atomizar) y está editada y dirigida con eficacia; al analizarla desde el punto de vista de las ideas, quizás no tenga nada demasiado original que aportar al género (más allá de lograr muy bien ese efecto que te dan los videojuegos al morir y comenzar de nuevo con la sabiduría aprehendida -lo que de hecho ofició de inspiración para el guionista-), pero es una de esas películas que aunque no aporta demasiado en innovación, sí lo hace en entretenimiento.

Veredicto: 6/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1631867/