Minireseñas: El calvario de los guardianes sobrevivientes

Guardians of the Galaxy (2014)

Título en español: Guardianes de la galaxia

Comienzo este comentario admitiendo mi entusiasmo por las películas de superhéroes. Hay algo sobre el honor, heroísmo y el deber a gran escala conjugado con capas y disfraces que simplemente me puede, qué sé yo. Esta es otra producción de Marvel, la productora subsidiaria de Disney que recientemente lanzó las sagas de Thor, Capitán América y Iron Man. En este caso, la historia es un poco mas novedosa, ya que no se ha lanzado y re-lanzado múltiples veces como sucede con otras. En un universo habitado por múltiples especies intergalácticas, uno de los últimos humanos, el criminal de poca monta Peter Quill (el amoroso Chris Pratt que se polenteó muy agradablemente para convertirse en la terrible combinación de bombonazo con un gran sentido del humor) se une a otros diversos criminales para evitar que el villanísimo Ronan destruya el universo con la ayuda de una orbe misteriosa. Digo, ni que fuera tan importante la trama: siempre son la misma premisa con sutiles variaciones en los poderes y habilidades de los héroes y de los villanos y generalmente siguen la trillada seguidilla de «no-lo-vamos- a-lograr-pero-esperen-si-hacemos-esto-supremamente-heroico-y-nos-sacrificamos-por-el-bien-de-la-humanidad-aunque-no-termine-siendo-necesario-lo-lograremos. Pero eso es bastante irrelevante cuando el guión del también director James Gunn está repleto de humor para todos los gustos y cuando la banda sonora es una deliciosa playlist ochentosa con la cual el protagonista exprime la nostalgia de su infancia en la Tierra. El maquillaje, vestuario, producción de arte y efectos visuales son estelares (soy tremenda, ¿eh?) y Pratt prueba que tiene suficiente carisma para llevar una película en sus hombros, pero el resto del elenco está muy bien también. Amé especialmente a Drax con su inhabilidad para entender metáforas y me morí de amor con el árbol humanoide Groot. Por momentos se adentra en territorio demasiado dramático para el tono usualmente ligero de la película y rechina un poco, pero en general, esta película es la definición de diversión.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2015381/

Calvary (2014)

Título en español: Calvario

Calvario no pierde tiempo en presentarnos su premisa. Comienza con nuestro Padre protagonista tomando una confesión en la que el que se confiesa lo amenaza de muerte, advirtiéndole que cumplirá con su promesa en exactamente una semana. Tranqui. En el interín de esa semana, el Padre James, interpretado por un Brendan Gleeson en un excelente despliegue de sus talentos, intenta continuar con su vida aferrándose a sus principios, a pesar de que la visita de su perturbada y emocionalmente desequilibrada hija y la exagerada variedad de problemas que tienen sus parroquianos se lo hacen muy difícil. Ambientada en un pequeño pueblo de Irlanda, es difícil creer que la reducida población de la iglesia de James pueda estar tan azotada de pecados bíblicos, pero la película no esconde su fuerte predilección por el simbolismo. El Padre es, además, un personaje fascinante, porque no tuvo una vida enteramente devota a la religión, sino que siguió un camino más tradicional y laico, constituyendo una familia, y toda la cosa, hasta que tras la muerte de su mujer decide dedicar su vida a servir a Dios y, por defecto, a la Iglesia Católica, con todo lo que ello conlleva. El hombre que lo amenaza había sido una víctima de abuso sexual de un Padre en su infancia, y quiere hacer pagar a la institución que lamentablemente va a ser representada por James. La duda se cuela por todos lados, pero James se mantiene fiel a sus creencias y se prepara para el sacrificio final. Algunas porciones del guión del escritor/director John Michael McDonagh no son tan convincentes, pero visualmente es espectacular y mantiene una atmósfera inquietante y perturbadora de principio a fin. La película fue presentada como una comedia negra, pero el humor en general fue demasiado oscuro para mi gusto, y a menudo chocaba torpemente con las escenas más trágicas del filme. Pero al final de cuentas, Calvario es una película intensa, interesante y atrapante, y en su corazón el Padre James presenta una perspectiva justa, empática y hermosa sobre la moralidad de nuestros tiempos.

Veredicto: 7/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2234003/

Lone Survivor (2013)

Título en español: El sobreviviente

Meh. Me gusta Mark Wahlberg y me generan una mezcla de curiosidad y desconcierto las múltiples variedades de soldados, armas, tácticas y cagadas que se manda el ejército estadounidense, pero esto terminó siendo demasiado patéticamente grandioso, tomándose todo muy en serio y fracasando en el proceso. Se trata del soldado de los SEALS Marcus Luttrell, que junto con un equipo reducido tienen la peligrosa misión de encontrar y/o matar a un poderoso líder del Talibán. Ya la vieron. La película comienza con un montaje de escenas reales de los feroces entrenamientos que debe hacer esta sector del ejército y sigue con la casi inexistente presentación de los personajes principales (además de Wahlberg haciendo de Luttrell, están Emile Hirsch, Ben Foster y Taylor Kitsch), los cuales pronto se ven en medio de su importantísima misión. Pero ni bien comienza la operación, se les presenta un dilema moral complejo: mientras intentan pasar desapercibidos al acercarse a su blanco, se topan con unos pastores y deben afrontar la difícil decisión de dejarlos ir y arriesgarse a que informen sus locaciones o matarlos cuando no hay evidencia de que sean parte del bando enemigo. No les voy a contar qué deciden, pero es una película americana sobre soldados americanos, no sé qué pretenden. Poco después, la película deviene en una locura de acción gráfica, adrenalínica y casi carente de tensión, pero muy bien producida (en particular el sonido). Como pueden adivinar por el título, hay muerte, lo que significa que también hay un desfile de escenas solemnes y despedidas que pretenden ser emocionantes pero son presentadas de forma tan exagerada que producen el efecto contrario. Y finalmente, la tercera porción de la película apunta a nuestro lado más sensible y manipulable, utilizando tretas como niños adorables y locales «buenos». En fin, a pesar de ser basada en hechos reales, la película tiene una visión tan simplista de todo, el guión es realmente tan básico que debe estar dirigida al mismo público de la espantosa Francotirador. En conclusión, es exagerada en lo básico y básica en lo que realmente importa; aporta cero a la discusión de una de las guerras más fútiles en que se ha visto involucrado los Estados Unidos, pero a pesar de sí misma, tiene alguna que otra escena decentemente lograda. Mirar bajo su propio riesgo.

Veredicto: 4/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1091191/

American Sniper (2014)

Título en español: Francotirador

Cualquier película con «American» en el título me provoca muchísimo escepticismo, y si además está dirigida por un tipo que se ha inclinado más para la derecha, como lo hizo Clint Eastwood, aún más aprensión me provoca. Y aunque el prejuicio suele ser algo perjudicial para la apreciación de cualquier cosa, en este caso me preparó un poco para lo que se venía, una película cobarde, nacionalista, simplista y hasta ofensiva. Es debatible si el contenido político o el mensaje filosófico de una película debe influir en nuestra consideración de los méritos artísticos del filme, pero es una discusión para otro momento. En el caso de Francotirador, que gira en torno a la guerra en Iraq con todo lo que esto conlleva, creo que había una responsabilidad por mínimo aventurar una postura, pero en lugar de esto, la película se acerca más a un videojuego de tirador en primera persona, prescindiendo de desarrollar a sus enemigos, y hasta a su protagonista, y de esta forma trivializa y glorifica el acto guerrero del francotirador.

El guión de Jason Hall, basado en la autobiografía de Chris Kyle, gira en torno al soldado francotirador de los Navy SEALs del ejército de los Estados Unidos, desde su decisión de enlistarse hasta su retorno del cuarto y último servicio en Iraq, donde fue responsable por 160 muertes confirmadas, convirtiéndolo en el francotirador más letal en la historia entera de los Estados Unidos. El guión de Hall y la dirección de Eastwood están tan ceñidos al protagonista que la película pierde alance por todos lados, prescindiendo de oportunidades para hacer reflexiones morales sobre las acciones del soldado, o de balancear otras perspectivas que incluyan a un enemigo que no se reduzca a una sarta de villanos salvajes sin ningún asomo de humanidad, e incluso prescindiendo de explorar el núcleo familiar de Kyle, compuesto de su esposa Taya, de quien no sabemos absolutamente nada, y sus dos hijos quienes no cumplen ninguna función en la película. Y quizás todo esto no sería tan molesto si la película hiciera un buen trabajo de adentrarse en el psique de Kyle, si lo conociéramos tan a fondo que el filme pudiera satisfacernos desde el punto de vista de un estudio de personaje, pero ni eso. Kyle figura como un hombre en extremo simple, un cowboy que motivado por unos atentados en embajadas estadounidenses en medio oriente, cree que puede dar algo por su país, y así pone en riesgo su propia vida incontables veces a raíz de un sentimiento patriótico, y alguna otra motivación a la que se alude, pero nunca se manifiesta realmente.

Con un guión así, es difícil invertir emociones y entregarse a esta película. Los únicos momentos en que la película se eleva es en algunas escenas de acción, donde el suspenso que crea Eastwood funciona con eficiencia, pero no hay nada más que un interés superficial, y tratándose de una temática tan sensible, es doblemente ofensiva la ligereza con que se maneja. No es una película de superhéroes, donde pedirle profundidad a los guiones sería un despropósito (pero dicho esto, las películas de Batman y hasta las de Spiderman contienen mayores exploraciones psicológicas que esta producción), es una película de un reconocido y condecorado héroe americano, y rendirle homenaje habría sido un estudio inteligente de su persona y de sus circunstancias, y no una celebración de sus habilidades militares y su capacidad para matar, sin ningún tipo de implicancia moral. Porque mostrarlo mientras apunta a un niño sosteniendo una bomba y tomando la difícil decisión de si apretar el gatillo o no, no la hace profunda, no significa absolutamente nada, Clinty. Puede y debe mejorar.

La producción es de su protagonista, Bradley Cooper, quien entrenó tanto físico como voz para convertirse en el soldado tejano. Y la verdad es que es un gran trabajo. Su nominación a Mejor Actor fue un tanto inesperada, porque la película recién se había estrenado, y me había provocado un poco de indignación, porque asumí que era un claro caso de alcahueteo al favorito de la Academia Eastwood y a su nuevo chico dorado, Cooper mismo, pero la verdad es que Cooper desaparece en el personaje y en ningún momento lo vi a él en la pantalla, sino que era Chris Kyle de principio a fin. El resto de los actores apenas tiene sentido mencionarlos porque sus papeles tienen justamente el grosor de un papel, son meramente accesorios del protagonista, utilizados para aportarle más dimensión al personaje, pero que no son nadie en sí mismos. Entre ellos está Sienna Miller a la que parece que delegaron todos los papeles de esposa del año pasado, quien también hizo de mujer de Mark Ruffalo en Foxcatcher y a quien no le están brindando las oportunidades de brillar que se merece.

En fin, cuando comenzaron los créditos finales de Francotirador y aparecieron imágenes colmadas de banderas estadounidenses celebrando a «la leyenda», no pude evitar preguntarme si realmente todos los involucrados en la producción veían el mundo de manera tan sencilla. Incluso Eastwood, de quien soy la primera en admitir que no soy fan, se me hacía un realizador un poco más reflexivo de lo que demuestra en esta película. Pero por el contrario, lo que obtenemos es una película completamente ciega, y con esto no me refiero únicamente a lo político, sino a la moralidad del personaje en sí, que podría haber sido explorado desde un punto de vista más humano e individual, y a causa de esto no logra ninguna conexión con la audiencia que no sea, de vez en cuando, un pequeño golpe adrenalínico por ver cómo se desarrolla una escena en el campo de batalla, que sí, están decentemente filmadas, pero están tan desprovistas de humanidad que no impactan más que una película de Michael Bay. Y dada la temática, es una verdadera lástima.

Veredicto: 4/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2179136/

Minireseñas: Solo Frank perdona al mañana

Only God Forgives (2013)

Título en español: Solo Dios perdona

Ah, pero qué película de mierda. Perdón, pero me tenía que desahogar. Es que yo me considero una persona bastante paciente, tolerante y abierta, especialmente sobre lo que concierne al mundo del cine, que amo, pero esto desafió todas mis mejores cualidades, y eso que apenas dura los básicos 90 minutos. La película sigue a un narcotraficante en Bangkok (Ryan Gosling en una actuación robótica y desalmada; culpa del personaje, seguramente, pero imperdonable) cuya patética existencia se ve afectada por las acciones desagradables de su hermano mayor al que se ve obligado a vengar, incitado por su madre, una especie de Lady Macbeth del subdesarrollo, interpretada con bastante coraje y eroticismo por Kristin Scott Thomas. Pero esta búsqueda de venganza se ve antagonizada por la figura pseudo-divina del policía local Chang (Vithaya Pansringarm), quien parece impartir su propia justicia personal y ser a la vez omnipresente e invencible. No puedo explicarles lo poco que me importaba el éxito o fracaso de esta empresa. Podría rescatar la fotografía de colores vibrantes y luces de neón, que aportaron una estética interesante, pero más allá de eso sufre en todos los aspectos. Ningún personaje posee ningún dejo de humanidad; los diálogos son risibles y la violencia sobre-estilizada. Lo que le sucedió a Winding Refn (quien había hecho un excelente trabajo en la reciente Drive, también con Gosling -¿qué les pasará a este tipo de directores copaditos que se obsesionan con un actor en particular, no?) es que está demasiado dirigida, y esto en tope de un guión fino como hoja de papel, hacen que la cosa se parezca muchísimo a la nada. Estilo sobre sustancia de la peor calaña, porque no tiene ni corazón, ni autenticidad. 

Veredicto: 3/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1602613/

Frank (2014)

Difícil comenzar a hablar de esta película sin referirme al «truco» que emplea durante su duración entera, y es que gira en torno a un personaje, Frank, que lleva puesta una gran cabeza caricaturesca encima de la propia y nunca, nunca, se la quita. Frank es el líder de una banda experimental y excéntrica, a la que nuestro personaje principal (Domhnall Gleeson, quien me cayó muy mal), el del punto de vista, se une para remplazar a su último tecladista. Frank es un personaje sumamente intrigante, más allá del artificio de la cabeza, es completamente auténtico e irónicamente, parece totalmente libre de artificialidades. Jon, un muchachito fastidioso obstinado con alcanzar la fama, es nuestra entrada a esta banda de dementes casi entrañables (a excepción del personaje de Maggie Gyllenhaal que es bastante mala onda, si bien es la que posee la mejor relación con Frank) y junto con él vamos explorando el universo del creativo y sus procesos, que oscilan entre lo penoso y lo divertido. Siento que en algún momento la película me pierde, o es que desde el principio sentí muchísimo rechazo por Jon, pero me terminó dejando un sabor muy amargo. Hay algún comentario interesante sobre la naturaleza de la creatividad y lo doloroso que es mantenerse por fuera; también se comenta sobre la comercialización y bastardización del arte por atraerlo a las masas, de formas menos efectivas y considerablemente más trilladas; y por último, hay una gran presencia mediática y una integración con las redes que se me hacía por momentos efectiva y por otros artificial. En general sufre de un tono que oscila torpemente entre lo cómico y lo dramático y no se decide por ninguno, dejando todo muy medio pelo. Pero el personaje de Frank, interpretado con entrega y vulnerabilidad por uno de mis actores favoritos del momento, Michael Fassbender, hace que valga un poco la pena: es una actuación que se mide en entonaciones de voz y lenguaje corporal y es un gran triunfo.

Veredicto: 5/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1605717/

Edge of Tomorrow (2014)

Título en español: Al filo del mañana (voto que «filo» es una de las palabras más utilizadas para traducciones paupérrimas de títulos de películas)

¿Soy yo que estuve muy perdida o esta película pasó casi completamente desapercibida por estos lados? Como sea, si así fue, fue inmerecido, ya que para tratarse de un híbrido de ciencia ficción y acción protagonizada por Tom Cruise, es bastante buena. La película sigue a Cage, un oficial careta que jamás pisó un campo de batalla pero que es rápidamente forzado a participar de una misión suicida en una batalla contra una raza alienígena inteligente que tiene la capacidad de resetear los días y por ende, conocer el futuro. Por esas cosas de la vida, Cage adquiere esta misma capacidad de «manos» del enemigo, lo que da comienzo a una especie de Groundhog Day (Hechizo de tiempo) de anfetaminas. La película no pierde tiempo con prólogos ni preámbulos sino que salta directamente al meollo del asunto, que es lograr una combinación de acciones para ese día que le otorgue la victoria a la raza humana. Hace tiempo que no veía a Cruise en una actuación tan disfrutable, y esto se debe, principalmente, a que su personaje comienza siendo completamente inútil como héroe de acción, lo que nos presenta con incontables oportunidades para el humor que son bien aprovechadas. Acompañándolo en este viaje está Emily Blunt (muy diosa), una oficial experimentada y que está familiarizada con las circunstancias particulares del reseteo y con quien entrena, planifica, lucha, y por qué no, flirtea un poco también. Desde el punto de vista de la acción es casi agotadora, tiene un paso adrenalínico (que no llega a atomizar) y está editada y dirigida con eficacia; al analizarla desde el punto de vista de las ideas, quizás no tenga nada demasiado original que aportar al género (más allá de lograr muy bien ese efecto que te dan los videojuegos al morir y comenzar de nuevo con la sabiduría aprehendida -lo que de hecho ofició de inspiración para el guionista-), pero es una de esas películas que aunque no aporta demasiado en innovación, sí lo hace en entretenimiento.

Veredicto: 6/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1631867/ 

Rush (2013)

Título en español: Rush, pasión y gloria (wow, cada vez superándose más los traductores).

Me puse a ver Rush sabiendo apenas que giraba en torno al mundo de la Fórmula 1 y que actuaba el rubio de Thor (Chris Hemsworth). No mucho más. No puedo decir que ahora que la vi tengo un mayor entendimiento del deporte ni mucho menos, pero sí puedo asegurar que fueron dos horas inmensamente entretenidas y que parecieron volar con un ritmo sublime y por momentos adrenalínico, reflejando quizás, las sensaciones de quienes van tras el volante. Pero más específicamente que del mundo de la Fórmula 1, la película se centra en dos de sus estrellas principales, el inglés James Hunt (Hemsworth) y el austriaco Niki Lauda (Daniel Brühl) y es la rivalidad entre estas dos figuras de la década de los 70’s lo que le da tanto el impulso motor como el corazón al filme.

Cuando los conocemos aún son dos corredores amateurs en la Fórmula 3, tratando de abrirse paso a las grandes ligas. De entrada sus personalidades contrastan enormemente. James Hunt cumplía con el cliché de la época, el tipo sexy de pelo largo y camisa abierta, un gran fiestero y mujeriego, simpático y carismático, impulsivo y temerario; un tiro al aire, básicamente. Una reputación que le traía tanto fama como una cierta reticencia por parte de los sponsors de entablar negocios con alguien tan imprevisible. A Hemsworth no le resulta demasiado difícil convertirse en Hunt, aunque por momentos me gustaría haber visto un poco más de magnetismo. Por otro lado, tenemos al austriaco Lauda, heredero de un gran negocio familiar, un hombre que decide abandonar su fortuna y apostar todo a su carrera. Es un tipo metódico, inteligente, calculador, antipático y austero. A diferencia de Hunt, a nadie le caía demasiado bien. Brühl sí destila una buena dosis de magnetismo; está absolutamente brillante en el papel y esa mirada intensa que mantiene durante toda la película me daba hasta escalofríos. Mientras el primero corre por pasión y amor al deporte y ve el jugarse la vida como un elemento romántico, el otro corre porque es lo mejor que sabe hacer y no tiene ningún interés en arriesgar su vida más de lo necesario.

En una época en que el riesgo de vida de los conductores era mayor al de hoy, es interesante ver las distintas visiones que se manejaban al respecto. Cuán fácil (o no) era para los conductores meterse en ese auto sabiendo que quizás no volverían a salir de él con vida. Sin duda, el riesgo de muerte funciona como un elemento que aporta muchísimo tanto a nivel dramático como narrativo y nos informa mucho sobre las personalidades de ambos protagonistas. Al tener un foco bastante íntimo y algo claustrofóbico con respecto a los personajes, la recreación de época no aparece en primer plano como anzuelo para los críticos, sino que está puesta al servicio de la historia y funciona perfectamente en segundo plano. Está bellamente fotografiada, con una paleta de colores que ahora sí parece más reminiscente de la década. Además de los protagonistas, el elenco se completa con los intereses románticos de los protagonistas (principalmente Olivia Wilde y Alexandra Maria Lara) y algún que otro comentador deportivo o miembro de los equipos técnicos; si bien todos hacen un buen trabajo, el guión está más preocupado con sus estrellas y no les dedica demasiado tiempo. Quizás por esto a los vínculos amorosos les falta desarrollo, pero el director logra darles un poco más de vida a través de claves visuales un poco más sutiles y zafa.

Es interesante notar como una película de este tipo suele incitar a la audiencia a hinchar por un personaje en particular, ya sea otorgándonos un punto de vista más estudiado de uno de los bandos, creando mayores oportunidades de empatía o logrando actuaciones más carismáticas de los involucrados, pero uno de los mayores logros del director sentimentaloide Ron Howard (el que nos dio Apollo 13 y Una mente brillante) es contraponer dos personalidades avasallantes de forma tal que juegan con los impulsos primitivos del espectador de elegir a uno y quedarse con él por el resto del filme. Aquí nuestras pasiones son confusas, y aunque ninguno de los dos está ni cerca de ser el héroe perfecto, al terminar la película ambos se ganaron nuestro respeto y admiración. Este enfrentamiento de personalidades es algo en lo que el escritor Peter Morgan y el director Howard ya habían colaborado juntos en la muy subestimada Frost/Nixon; y como en esa película, las tensiones dramáticas llegan a niveles de intensidad increíbles por cómo está manejada la interacción entre ambos, y no tanto por las escenas de «acción», que de cualquier forma están muy bien filmadas también. El guión tiene como núcleo esa necesidad imperiosa del ser humano de competir, no solo de ser el mejor, sino de ganarle al «otro» y de esta cualidad primitiva se nutren nuestros personajes, afectando directamente sus arcos dramáticos.

En conclusión, déjenme decirles que dudo que haya alguien menos interesado en la Fórmula 1 que yo. Y no voy a decir que la película me provocó ningún tipo de interés en el deporte. Pero esa no es la función del cine. El cine se trata de sumergirte en un mundo ajeno durante un par de horas, envolverte y vendértelo. Y en esto fue un éxito rotundo. No perdí el interés ni medio segundo de película, tiene una edición magistral cuyos ritmos aceleran y desacelaran en los momentos justos. Y más que nada, un dúo de director/escritor que extrapolaron de una historia anécdotica conocida quizás por un pequeño nicho de gente, un relato de atractivo universal, que habla más sobre la naturaleza del ser humano que sobre quién se convirtió en campeón mundial. Tiene alguna que otra recaída en territorio más cursi (estamos hablando de Howard, después de todo) y a pesar de lo que venía describiendo, tampoco estamos lidiando con un estudio dostoievskiano de la condición humana, pero es un gran ejemplo de cine hollywoodense.

Veredicto: 8/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1979320/

Noah (2014)

Título en español: Noé

Estoy muy molesta. A pesar de este fracaso de proporciones épicas y bíblicas (humor Scarlattino para ustedes), siempre voy a querer a mi amado Darren Aronofsky. Su película Requiem por un sueño fue una de las primeras películas «serias» que vi en mi vida, y comenzó mi camino hacia la apreciación de un cine más rico y profundo. Pero Aronofsky triunfa cuando se concentra en dramas humanos de un calibre más íntimo, personas comunes y corrientes viviendo en un mundo que puede ser cruel y tenebroso, y ahí logra creaciones de una humanidad devastadora, y logra conmovernos hasta las lágrimas. No sé qué se le dio por hacer algo como Noé, y apenas pude reconocerlo en esta recopilación de escenas artificiales y CGI (imágenes generadas por computadoras): nótese que puse «artificialidad» y «CGI» como ítems diferentes porque no es solo en lo visual que abunda lo inauténtico, sino también en términos de historia y personajes.

Como lo indica su título, la película se centra en la vida del personaje bíblico Noé, conocido por su gran arca en donde rescató una pareja de todas las especies de animales del mundo para repoblar la tierra luego de la gran inundación provocada por Dios para limpiar la tierra de las impurezas del hombre. Admito que no tengo conocimiento alguno sobre la historia tal cual la cuenta la Biblia ni me interesa demasiado, francamente. Lo que sí espero de una película es un guión fuerte y seguro sobre lo que quiere relatar. Este no es el caso. Ni cerca. Desde el principio Noé, interpretado por Russell Crowe, se presenta como un personaje difícil de querer. Tiene una solemnidad y nobleza exasperante y su afán por llevar a cabo la misión que le encargó el Creador lo llevan más hacia el territorio de la superioridad moral y no hacia la humildad, como hubiera sido preferible. No pido que los protagonistas deban ser necesariamente agradables, pero al menos deben ser cautivantes y no hay absolutamente nada cautivante de un personaje tan poco tridimensional como Noé.

Lo mismo puede decirse del resto de la familia, son personajes en extremo superficiales y honestamente poco nos importan sus destinos: está su mujer, interpretada por Jennifer Connelly en un papel tan pero tan fino que podría ser un dibujo animado; peor es el primogénito y el tercer hijo, ambos con una única característica reconocible y luego están Emma Watson, la niña perdida que adopta la familia, y el segundo hijo, Ham, la oveja negra del grupo. Watson se entrega a su rol con firmeza y eleva un poco el material del guión y con Ham los escritores (Aronofsky y Ari Handel: colaborador frecuente del director) parecen querer agregar un elemento de antagonismo que eventualmente resulta en la mismísima nada. Redondeando el elenco están Anthony Hopkins como el tatarabuelo sabio cliché y Ray Winsote como el antagonista principal, descendiente de la línea de Caín.  Lo gracioso es que este último, a pesar de tener una moral más cuestionable, logró despertar en mí la mayor simpatía de todos los personajes, y esto es otro de los grandes fracasos del filme, ya que niega el propósito de la historia en sí.

Lo que resulta es un relato condescendiente, simplista y moralizante que no tiene claro qué quiere transmitir realmente. Es una intercalación de escenas del un CGI de muy mala calidad: intentos de planos épicos con imágenes de centenares de animales corriendo hacia el arca, rocas construyendo un arca (son ángeles caídos), batallas innecesarias o el arca en medio del agua; estas son  contrarrestadas con escenas de falsa intimidad en planos cerrados donde Noé insist e con seguir el plan del Creador mientras su familia sufre las consecuencias y el resto de la humanidad, toda vil y desechable, muere de hambre y es castigada por su maldad y carnivorismo. Hago una pausa en la escritura y me vuelvo a preguntar en qué estaba pensando Aronofsky cuando creó este esperpento. No hay ningún elemento rescatabale: no es ni interesante visualmente, ni son buenos los efectos especiales, ni tiene ningún asomo de profundidad o inteligencia. Es una lástima que un grupo tan talentoso de artistas haya creado algo tan carente de creatividad, pero todo buen director tiene una desgracia en su filmografía; no por esto voy a dejar de querer al genio detrás de El luchador y El cisne negro. A por una pronta recuperación.

Veredicto: 3/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1959490/

End of Watch (2012)

Título en español: En la mira

Bueno, tuve algunos problemas con esta película. Cuando empezó, la shaky cam (cámara temblorosa) y las incongruencias del estilo pseudo-documental me sacaron de quicio, pero decidí aguantar y me terminó atrapando por la increíble química que tienen los compañeros de patrullero policial Brian y Mike (interpretados por los excelentes Jake Gyllenhaal y Michael Peña). El filme de David Ayer, conocido por básicamente distintas versiones de la misma película (Día de entrenamiento, S.W.A.T.), se trata de un par de policías patrullando las calles de la California del Sur, en donde bandas de gángsters negros y mejicanos luchan por el dominio de las calles y los barrios.

Las incongruencias de estilo parten de la decisión del director de filmar muchas escenas desde el punto de vista de Brian, a través de una cámara que lleva a todos lados con motivo de un «proyecto personal». Pero la película no está filmada exclusivamente a través de esta cámara, así es que se convierte en una serie de escenas en que los personajes están conscientes de la cámara y otras en que no, y esto se torna especialmente ridículo cuando vemos a Brian apagar o apartar su cámara (en general a pedido de un compañero o superior), pero no perdemos ojos en la escena porque, bueno, está todo el equipo del director filmando también. Ajá.

Sumado a esto, tenemos un guión flojo e inconsistente, con algún que otro momento destacable que eleva la película un poco más. Admito que no soy una gran conocedora de los males que aquejan a los barrios que patrullaban estos dos personajes, pero llama la atención la gravedad e intensidad de casi todas las llamadas que los vemos responder, y eso requiere un poco de suspensión de incredulidad por parte de la audiencia, especialmente hacia el final, cuando todos los esfuerzos por construir realismo son abandonados al ritmo de lo que dispara una AK-47. Dicho esto, cuando la acción se calma, hay momentos muy auténticos y genuinos entre los protagonistas, y muchos de sus diálogos son improvisados logrando una conexión real no solo entre los actores sino entre la ficción de la película y el espectador. También hay escenas de sus vidas privadas, de mayor y menor eficacia, pero estas no logran aportar la dimensión que el director pretende, sino que figuran como un fallido intento de convertir al par de policías en personas completas. Reitero, los momentos de mayor profundidad se dan en la intimidad del patrullero, en plena espontaneidad.

En conclusión, esta es una película de acción que entretiene, pero cuyas pretensiones de elevarse a un filme de profundidad son inconcretadas por un guión mediocre que se viene abajo hacia el final  y una dirección cuestionable. El carisma de Gyllenhaal y Peña la hacen lo suficientemente disfrutable para pasar el rato y alrededor de la mitad de la película hay momentos de genuina tensión que muestran que Ayer tiene un potencial mayor al que indicarían sus esfuerzos previos. Quizás sea con Fury (Corazones de acero) de este año que lo logre. Solo queda esperar.

Veredicto: 5/10

IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1855199/